ARTE

Scritti e video di Luca Traini

 Indice

45 NUOVE SFIDE DEI BENI CULTURALI POST LOCKDOWN (2020-21)
44 WATERFALL OF TIME. YOSHIN OGATA SCULPTURES (2021)
43 NICOLA PERUCCA, Città librerie e altre storie (2021)
42 IL DIRITTO E IL ROVESCIO DELL'ARTE Come una premessa (2020-21) 
41 GUTTUSO RITROVATO (2019)
40 COME LA LUCE _ DAI MACCHIAIOLI ALLO SPAZIALISMO (2019)
39 NEL SEGNO DI LUCIO FONTANA (2016)
38 FONTANA, MELOTTI, LEONCILLO (1995)
37 REFLEXions - ANDRÉ VILLERS, FOTOGRAFO PERSONALE DI PICASSO
(Versione italiana e francese, Antibes-Aosta 2008)
36 LA GRANDE FOTOGRAFIA DI ROBERTO MOLINARI IN MOSTRA A VARESE (2018)
35 LA PHOTOSOPHIA DI ROBERTO MOLINARI (2017)
34 ARTE E TECNOLOGIA (2019)
33 ATELIER PELLINI: DA PIÚ DI UN SECOLO NEL CUORE DI MILANO (2019)
32 LA REALTA' VIRTUALE DI PIERO DI COSIMO (2019)
31 TOMMASO DA MODENA: MEDIOEVO IN REALTÀ AUMENTATA (2020)
30 ARCHITETTURA E LETTERATURA Palladio e Trissino (2019)
29 CASTELSEPRIO-SIRIA: SANTA MARIA FORIS PORTAS (2019)
28 CHIESA DI SANT'ANTONIO DI VARESE Falò e luce interiore (2019)
27 MUSEO BAROFFIO, SACRO MONTE, VARESE: ASCESI ESTETICA (2019)
26 VARESE, SALA VERATTI: UN'ARTE PIENA DI GRAZIA (2018)
25 EUGENIO PELLINI, "DUE TELAMONI" (Varese, 1905) (2017)
24 DE CHIRICO, "I BAGNI MISTERIOSI" (Triennale di Milano, 1973) (2017)
23 BERGAMO: LA MUSA INNAMORATA DI PALAZZO RONCALLI (2017)
22 ALI E RADICI NELL'ARTE La Chiesa di Pecetto e i bronzi di Tavernari a Macugnaga (2017)
21 IL PAESE DELLE PIETRE SOGNANTI - IVO SOLDINI A VIRA GAMBAROGNO (2015)
20 ROBERT RAUSCHENBERG Bed _ Letto, 1955 (2014)
19 I RAGGI X FRA ARTE E POESIA: PRIME LASTRE Gozzano e i Futuristi (2019)
18 LORENZO LOTTO E GIACOMO LEOPARDI Lontananza di due solitudini (2008)
17 CURA E MALATTIA DEL GENIO Musica per Hugo van der Goes (2014)
16 HYPNEROTOMACHIA POLIPHILI Combattimento d'amore in sogno fra Mantegna e Giorgione (2014)
15 LA NOSTRA CIVILTA' E' UN SOGNO AD ANGOLO RETTO (Biennale di Venezia 2011)
14 CROSSMEDIALITA' ANTICA: LISIPPO (Biennale di Venezia, 2011)
13 ALESSANDRO MAGNO IN VALLE D’AOSTA: IL CASTELLO DI QUART (2008)
12 IL VIDEOGAME COME ALTERNATIVA ALL'EFFIMERO (2012)
11 ZURBARAN A FERRARA, QUEVEDO IN SOGNO (2014)
10 IL BISTURI E L'ARCHITETTO (Triennale di Milano, 1995)
Una casa, due donne per Frank Lloyd Wright _ Frank Lloyd Wright between Petrarch and Anne Bradstreet
Le Corbusier, Cappella di Notre-Dame-Du-Haut, Ronchamp: resurrezione e ferite
9 I TRONI DI LILLIPUT (1996)
In occasione di una mostra di modellini di “Sedie d’autore” alla Triennale di Milano
Sedia di Mackintosh e Scala di Giacobbe: un relax biblico
Mies van der Rohe, Le Corbusier: sedie per guardare in alto
Prova a sederti nell'Autunno Caldo _ Cul de Sac
8 ARCHITETTURA E POESIA NELLA SVIZZERA ITALIANA
Mario Botta/Giorgio Orelli Video
Luigi Snozzi, Livio Vacchini/Antonio Rossi Video
Aurelio Galfetti/Fabio Muggiasca Video
7 IL CASTELLO DI GRESSAN (2012)
6 TRANSUMANZE ARCANGIOLESCHE (2004)
5 ARTE E LAVORI DOMESTICI_MACCHINE DA CUCIRE due punti SCRIVERE (2007)
4 IO E LUCIO FONTANA (2011) Video
3 ALMANACCO PANNINI (Pannini Mitelli Vivaldi) (2011) Video
2 PENNA A SFERA_BALLPOINT _ A Mario Botta Nomadic architecture of my life (2010)
1 PINA TRAINI, "Solo donne" _ "Women only: Dreams Sleep Awakenings" Video di Luca Traini con estratti dal testo "Pina Traini - Tele scultoree"  di Debora Ferrari

NUOVE SFIDE DEI BENI CULTURALI POST LOCKDOWN

Ipotesi di futuro-presente con nuove tecnologie e servizi di API Srl

In questi mesi di fermo forzato per le realtà museali ed espositive abbiamo fortunatamente potuto assistere a una mobilitazione verso il ‘virtuale’ che è altrettanto reale, ma si sposta dalla fruizione di persona a quella interagita con strumenti tecnologici.
Le Nuove Tecnologie, da oltre 20 anni insegnate nelle Accademie e nelle Università, stanno mutando il modo di produrre e fruire l’arte.
Avere tutta l’arte nel contemporaneo significa collegare la storia dell’arte e dei beni culturali alle nuove pratiche artistiche, che cambiano le estetiche contemporanee e modificano anche la divulgazione delle arti, dal cinema al videogame, dalle visite ai musei all’interazione del pubblico in remoto. Siamo fruitori di un’arte diversa che dobbiamo ancora imparare a riconoscere.


Da mesi API Srl, una realtà milanese, stava lavorando a un progetto in questo senso, coi team di sviluppo che si occupano anche di IT per fiere e musei, con Neoludica Game Art Gallery che coniuga arti tradizionali e contemporanee con quelle degli artisti digitalisti del XXI secolo. Proprio in questi ultimi due mesi API è pronta con l’offerta che mette al servizio degli operatori di beni culturali, ma non solo. Dopo un sondaggio anonimo condotto col pubblico e delle call dirette con sondaggi privati con direttori museali e responsabili di Fondazioni, API Srl ha potuto affinare le proposte per affiancare il lavoro tanto appassionato di chi si trova a gestire le arti con adeguate soluzioni tecnologiche.

API Srl ha realizzato, col contributo degli esperti di beni culturali al suo interno,
un sondaggio anonimo col pubblico italiano a cui hanno risposto da tutta Italia
e il risultato è ben illustrato da questa infografica che disegna il profilo
del nuovo consumatore di beni culturali, diverso da come era prima del lockdown
e molto propenso a continuare nella fruizione delle arti anche in remoto.

Queste soluzioni sono dentro la crescita di un’azienda nata nel 1985 e diretta da Massimo Spica che oggi, oltre ai vari servizi per industria e settore pubblico, punta su nuove possibilità.
API Srl offre soprattutto in questa fase realtà aumentata, realtà virtuale e gamification. Le tecnologie però sono un mezzo per raggiungere degli obiettivi. “Abbiamo pensato al mondo degli eventi - dice il direttore generale - come mostre, fiere, convegni, sfilate di moda… che da febbraio sono fermi e dove attraverso l’uso di tecnologie come Blockchain, Realtà Virtuale permettiamo agli organizzatori di svolgerle seguendo le indicazioni di distanziamento sociale, creando coinvolgimento ed emozione oltre che il contatto umano seppur a distanza. Un ulteriore sforzo interno riguarda i musei, l’arte e la cultura in generale dove applichiamo le stesse tecnologie per creare percorsi veri e propri di coinvolgimento e immersività nel realismo delle opere con ricadute anche sull’indotto che normalmente accompagna una visita fisica al luogo (api-arvr.com/cultura). A questo si aggiunge la collaborazione con Neoludica che si occupa da 12 anni di arti digitali ma con una preparazione professionale di lettere e arti classiche tale da offrire una consulenza a 360° a Musei, Fondazioni, Gallerie, Archivi, ecc. La nostra carta vincente è un team interdisciplinare, per cui non si hanno solo servizi tecnici ma un tuttotondo di saperi umanistici e scientifici che fanno la differenza”.
Attingere alle esperienze di professionisti di vari settori, soprattutto quello della cultura e delle arti, è quello che contraddistingue API nel panorama delle aziende che offrono servizi di digitalizzazione al mondo dei beni culturali. Un mix di scienza e bellezza. Queste tecnologie sono nuovissime per il mercato industriale e API si sta reinventando un’ennesima volta con esse. “Pensiamo che il futuro sia adesso - conclude Spica - per questo ci appassiona metterci alla prova al servizio degli altri, per creare insieme nuovi disegni di futuro, un design thinking condiviso che è anche alla base del nostro processo di formulazione servizi”.


I servizi di API Srl per il mondo delle arti, delle fiere, dello showbiz

api-arvr.com/cultura

App Augmented Reality, app VR, cataloghi in 3D, musei virtuali interattivi e spazi virtuali per mostrare opere a magazzino che così possono essere studiate, gamification per processi di engagement, fiere e spettacoli virtuali, piattaforma per e-learning-webinar-workshop-corsi, eventi online.

API Mostre con E.V.A. (Exhibit Virtual Art)

NEOLUDICA GAME ART GALLERY (dalla 54.Biennale di Venezia a oggi)

Luca Traini
lucatraini.blogspot.com/chi-sono
api-arvr.com/chi-siamo
 WATERFALL OF TIME
YOSHIN OGATA SCULPTURES

Una nuova mostra a cura di Debora Ferrari e Luca Traini, un nuovo catalogo TraRari TIPI, col mecenatismo di Banca Generali Private e in collaborazione coi Musei Civici di Varese, patrocinio Comune di Varese

INAUGURAZIONE domenica 11 luglio ore 11.30, con la presenza dell’artista,uno dei grandi della scultura in campo internazionale

SALA VERATTI, VARESE, DALL’11.7 ALL’1.8.2021, dal giovedì alla domenica ore 15-18.30 Ingresso libero


In concomitanza con la mostra sul Giappone al Castello di Masnago, Musea TraRari TIPI porta a Varese uno dei più importanti scultori nipponici di fama  internazionale.

Foto di D. Barraco

Yoshin Ogata nasce a Miyakonojo in Giappone nel 1948. Espone le sue prime sculture nel 1969 a Tokyo e nel 1970 si trasferisce a Londra. Quindi viaggia in Europa, poi negli Stati Uniti e in Messico, dove svolge le sue ricerche nei musei locali. Vive tra Wakayama e il Golfo dei Poeti a La Spezia ed è uno dei più rinomati scultori giapponesi. Numerosissime le sue mostre e le opere pubbliche in tutto il mondo. 

Le sue sculture sono da sempre caratterizzate dall’elaborazione dell’elemento ambientale, sia nel segno che nella materia, pietra, legno, metallo, spesso sul tema dell’acqua, della goccia come impronta e soggetto.

In Sala Veratti, da luglio ad agosto, con il sostegno di Banca Generali Private insieme a la collaborazione di Liguria Vintage Design e LarioIn, sono esposte sculture, fotografie dei monumenti realizzati nel mondo e bozzetti. Catalogo Trarari TIPI in mostra. Sarà presente lo scultore Yoshin Ogata per incontrare il pubblico nella sede espositiva.

“Banca Generali è orgogliosa di sostenere la mostra di Yoshin Ogata, un artista completo, dall’animo internazionale e con una visione aperta sul mondo. La personale ospitata dal Comune di Varese è un’iniziativa importante di cui, mai come in questo momento, sentivamo il bisogno. Abbiamo patito tutti la mancanza dell’arte e della cultura vissuta dal vivo. Finalmente siamo tornati” dicono Daniela Parravano della filiale varesina BGP e Guido Stancanelli district manager di Banca Generali e presidente di LarioIn, associazione culturale che da più di un decennio opera sul territorio.

“Può stupire che uno scultore decida di incentrare il proprio lavoro nel marmo, nei graniti e travertini, nel bronzo, su ciò che per antonomasia una forma non ha se non quella di ciò che la racchiude: l’acqua -scrive Debora Ferrari. Eppure Yoshin Ogata, dalla seconda metà del secolo trascorso a oggi, dedica la sua attenzione non al suo incessante scorrere eracliteo, ma all’attimo dinamico che ce la racconta. E’ un divenire diverso quello che cogliamo nell’istantanea scolpita nei sedimenti minerali della terra, un fermo-immagine solido, compiuto, universale: la trasmutazione che avviene nella materia grazie al pensiero del suo autore”. E prosegue Luca Traini “Nel segno della pietra, che unisce simbolicamente cielo e terra (e rispettive acque). Dai vulcani del Sol Levante alle Alpi Apuane, a quei marmi di Carrara in cui ha saputo fondere il lavoro della nostra tradizione con la concezione vitalistica della natura della cosmologia nipponica, dove non esiste una netta demarcazione fra oggetti e creature viventi”.

L’esposizione in Sala Veratti ospita una ventina di sculture tra il 1970 e i nostri giorni, pannelli fotografici con le opere monumentali dello scultore nipponico, informazioni sull’artista e un percorso guidato di visita insieme all’antropologo Armando Montoya, con la direzione artistica e organizzativa di Musea TraRari TIPI, la piccola casa editrice varesina che ha curato e pubblicato anche il catalogo per questo evento internazionale.

L'ospitalità dello scultore è stata curata da Capolago Hotel, che ha anche allestito un'area dedicata nella reception.



Info: culturalbrokers@gmail.com

Fb:  Trararitipi_eventi e libri intorno all’arte

Twitter @trararitipi

www.yoshinogata.com

Vedi anche

lucatraini.blogspot.com/2021/07/waterfall-of-time-yoshin-ogata.html




NICOLA PERUCCA, Città librerie e altre storie

Una nuova mostra a cura di Debora Ferrari, un nuovo catalogo TraRari TIPI

Atelier Capricorno, Cocquio Trevisago (VA), fino al 25 luglio, nell’ambito dell’evento ComicSponde

Teamwork con l’autore Domenica 25/7 ore 16

“In Città Librerie e altre storie Nicola Perucca, esprimendo anche il suo amore letterario, ci prende per mano nella sua tecnica fluida e ci trasforma nel pubblico di lettori-pellegrini-viandanti, i libri diventano architetture su cui poggiare i piedi e rampe di lancio verso infiniti sogni, ma densi di materia e di possibilità non solo creative ma tangibili. Il Cosmo dipinto è multidimensionale e percepiamo la differenza dei protagonisti umani o di carta nella loro singolarità, in un dinamismo quasi futurista del XXI secolo, ancorato alla presenza più che all’assenza evocata comunque, dove astrazione e figurazione si scambiano le parti in un gioco di vuoti e pieni, di profondità e rilievo, com’è nella vita.

‘Se il tempo deve finire, lo si può descrivere, istante per istante - pensa Palomar - e ogni istante, a descriverlo, si dilata tanto che non se ne vede più la fine. Forse è quello il suo segreto: soddisfatto d’essere, riduce il fare al minimo? Non possiamo conoscere nulla d’esterno a noi scavalcando noi stessi’.

Questo e altri misteri ci vengono offerti da Nicola Perucca”.

Debora Ferrari (tratto dal catalogo edito da TraRari TIPI)



Introduzione/Emersione

“Borges nella valigia di Cesare Cosmico, il connesso viaggiatore nell’atto di estrarre un volume dalla Biblioteca, oceanica, del Mare. L’altra Biblioteca, quella di Babele, espressa o sottintesa, affiora da acquarelli, si spande per inchiostri, si dispone in acrilici per distendersi su carte indiane o cartone telato. Architetture di libri perché il libro è architettura e pietra angolare della nostra civiltà (un grande sogno ad angolo retto).

Città Librerie dove perdersi e ritrovarsi perché metropoli unica dove misura, cifra è smarrimento e stupore, preludio alla costruzione del nostro cosmo interiore, prologo alla visione, alla realizzazione di nuovi mondi più umani, superiori al 5% di noi stessi delegato al quotidiano.

Apparire piccoli e fantasmi nell’atto di contemplare, magari persi in un vortice, che sale, è una salutare presa di coscienza. Diventiamo voce del verbo “essere” nella Città Libreria delle Luci come in quella di Levante - Nicola vive e lavora a La Spezia - nel Cuore di ogni sua Biblioteca (le stele nere e blu come lo spazio profondo), custodi del suo Nucleo sempre luminoso”.

Luca Traini


... e altre storie



IL DIRITTO E IL ROVESCIO DELL'ARTE
Come una premessa


Esce il volume di Tiziana Zanetti, studiosa di  Diritto dell’Arte e di Beni Culturali con collaborazioni editoriali prestigiose alle spalle. Un libro dove le questioni giuridiche sono rese chiare e piacevoli da un tono narrativo puntuale, scientifico e sagace.

Una nuova pubblicazione TraRari TIPI (la casa editrice fondata da Debora Ferrari e dal sottoscritto), Collana Lucernaria, 124 pagine, carta Fedrigoni, brossura, 2020, € 18,00. Sui maggiori store online e nelle librerie che sostengono l’editoria locale e artistica.

L’arte è molto più di quel che vediamo.  Oltre al soggetto, alla tecnica, alla composizione, al colore… c’è un’altra dimensione, a volte registrata sul retro dell’opera (più facile immaginare la questione per un dipinto) che testimonia la sua vita, la sua provenienza ovvero le vicende che, suo malgrado, ha vissuto. Ma il titolo vuol riferirsi anche al diritto dell’arte e del patrimonio culturale, “materia” che viene raccontata attraverso la vita quotidiana, nella sua normalità e nei suoi momenti eccezionali, e al rovescio, il diritto penale, chiamato ad intervenire in caso di furto, ricettazione, contraffazione, esportazione illecita, danneggiamento.

La forma del nostro Paese è il risultato “stratigrafico” dei suoi beni di interesse culturale, dei suoi paesaggi, dei loro significati e valori, degli uomini che li hanno compresi, rinnovati (o umiliati) nel tempo, ma anche delle “regole” che si sono dati per difenderli: una tradizione che, nell’attraversamento dei secoli e dei luoghi, parla di bellezza, civiltà, responsabilità (ma anche di sgomento e impotenza di fronte alla barbarie). Una memoria viva che ha plasmato il carattere degli italiani, e prima ancora il loro sguardo, che a volte sembra essersi abituato a tanta ricchezza da darla per scontata.

Conoscere le regole della tutela e della valorizzazione del patrimonio culturale può servire a ridestare l’attenzione, a non abbassare mai la guardia. La loro finalità più alta è quella di difendere, vivificare e restituire agli individui un bene che è fonte, tra l’altro, di una joie de vivre intensa e benefica che diventa, per il viaggiatore forestiero attento e curioso che attraversi il nostro Paese, uno dei più cari e introvabili souvenir d’Italie.

Si prova a disegnare una cornice, in forma di dialogo interdisciplinare (in uno spazio privilegiato intitolato “Specialmente”) e di esperienza del tutto personale, nella quale collocare alcune questioni, sempre attuali perché senza risposte ultime e definitive, che sfidano il nostro sguardo e dalle quali dipende il nostro modo di vedere, di percepire e di rapportarci con gli altri e con le “cose” che ci circondano.

Si arriva a stabilire che non solo l’arte è molto più di quel che vediamo ma quel che vediamo, tanto più in un Paese come l’Italia, dipende da quel che siamo o scegliamo di essere ogni giorno, come singoli e come comunità. In questa scelta rientrano anche la volontà e l’impegno nel voler conoscere non solo il diritto ma anche il rovescio (ed evidentemente non ci si riferisce solo a quello dell’arte).

Il libro appena uscito avrebbe dovuto essere presentato in un museo civico con un evento di musica e parole, purtroppo rinviato a causa delle restrizioni per l’emergenza sanitaria. Verrà organizzato a breve un incontro online con l’autrice e la casa editrice per poter tener vivo il rapporto col lettore che TraRari TIPI ha sempre coltivato con presentazioni, mostre, concerti e simposi artistici.

Sarà comunicata la data sulla pagina Facebook www.facebook.com/groups/trararitipi/

Tiziana Zanetti, studiosa del diritto dell’arte e dei beni culturali, vive sul Lago di Gavirate. Ricercatrice dell’Istituto di Antropologia per la Cultura della Famiglia e della Persona di Milano; Responsabile scientifico di progetti di studio e documentazione relativi ai beni culturali (immateriali specialmente); si occupa di educazione e formazione in materia di tutela (penale) del patrimonio storico-artistico. Ha scritto per Gazzetta Ambiente, Il Giornale dell’Arte, Hestetika. Curatrice e co-autrice dei volumi, editi da San Paolo, Arte e legalità. Per un’educazione civica al patrimonio culturale, 2018; Il Bello e il Giusto. Sulla tutela del patrimonio culturale e la sua fragilità, 2019 e L’Arte e il Mistero. Sui beni culturali di interesse religioso 2020, scritti con magistrati, avvocati e antropologi.

Per contatti, immagini e libro da recensire per la stampa: culturalbrokers@gmail.com


UN POMERIGGIO NELL’ARTE

Presentazione del libro al Museo Bodini di Gemonio (VA) 30 Maggio 2021

In compagnia dei capolavori di Floriano Bodini, uno dei nostri grandi scultori del ‘900, nel museo che ha voluto nella sua Gemonio (VA). In armonia con la forza, la tensione spirituale e la dimensione epica delle sue opere quanto sottolinea con lucida passione l’autrice in un testo di particolare importanza per la salvaguardia del nostro patrimonio culturale: “L’arte è molto più di quel che vediamo ma quel che vediamo, tanto più in un Paese come l’Italia, dipende da quel che siamo o scegliamo di essere ogni giorno, come singoli e come comunità”.

In contemporanea la mostra di Mino Ceretti, (inaugurata il 9 maggio e visitabile fino al 13 giugno) un altro dei protagonisti del Realismo Esistenziale, renderà ancora più pregnante il discorso su vecchi e nuovi linguaggi con cui comprendere – e quindi tutelare – l’opera d’arte. Argomento che vedrà anche i preziosi contributi del giurista e docente universitario Leonardo Salvemini e del giudice penale Annalisa Palomba.

Con le ambientazioni sonore della fisarmonica di Saro Calandi, musicista di caratura internazionale, e del didjeridoo di Stefano Ravotti, polistrumentista e musicoterapeuta, perché l’arte è tradizione e ancestrale che guarda sempre al futuro.

Domenica 30 maggio al Museo tra arte, musica e libri.
L’arte dipende da quel che siamo o che scegliamo di essere ogni giorno

30.5.2021 DALLE ORE 15.30 ALLE ORE 18, inviti su prenotazione, posti seduti

Organizzazione: Musea Trarari TIPI

con il sostegno di SIFFRA Farmaceutici-Varese


IL DIRITTO E IL ROVESCIO DELL’ARTE

Fondazione Sangregorio 18.9.2021 ore 17

Un nuovo incontro dedicato all’Arte alla FondazioneGiancarlo Sangregorio di Sesto Calende. Sabato 18 settembre il pubblico potrà dialogare con una studiosa varesina molto particolare, l’autrice del libro Tiziana Zanetti, gli editori Debora Ferrari e Luca Traini e la prof.ssa Stefania Barile del Centro Internazionale Insubrico Carlo Cattaneo e Giulio Preti (con cui sia la scrittrice che gli editori hanno collaborato in diversi progetti sulla cultura della legalità e sul civic engagement).

Oltre alla Fondazione dedicata al grande scultore, organizzatrice insieme a Musea TraRari TIPI, l’evento gode del patrocinio dell’INDAC (Istituto Nazionale per il Diritto dell’Arte e dei Beni Culturali), che ha fra i suoi scopi principali la tutela e la valorizzazione del nostro prezioso e delicato patrimonio culturale. Un patrocinio importante, perfettamente coerente con la prospettiva culturale e giuridica del volume e delle riflessioni che verranno proposte durante l’incontro.

La riflessione sul patrimonio culturale deve necessariamente tener conto anche della dimensione internazionale e di quei traguardi fondamentali per il benessere previsti in “Agenda 2030”, come si legge nella Premessa del volume, col contributo prezioso ed autorevole di Leonardo Salvemini, giurista ambientale, avvocato e docente universitario.

Il diritto e il rovescio dell'arte. Come una premessa di Tiziana Zanetti, studiosa di Diritto dell’Arte e del Patrimonio culturale con collaborazioni editoriali prestigiose alle spalle. Un libro nel quale le questioni giuridiche sono rese chiare e piacevoli da un tono narrativo puntuale, scientifico e sagace.

Il libro sarà disponibile alla presentazione anche per il firmacopie dell’autrice.

Nella fotocomposizione: Tiziana Zanetti, Debora Ferrari e Luca Traini, il catalogo delle opere di Sangregorio curato da Marco Rosci e Debora Ferrari, Stefania Barile e lo scultore Giancarlo Sangregorio ritratto da Roberto Molinari.



 GUTTUSO RITROVATO

Commento musicale J. S. Bach, Passacaglia e fuga in Do minore BWV 582

L'ostrica di Verga, l'uomo attaccato allo scoglio della miseria e degli affetti,
soffre come e quanto l'uomo in fuga, l'uomo in rivolta di Guttuso.
Il sistema della sofferenza, il sistema della passione
Leonardo Sciascia



GUTTUSO RITROVATO
Inaugurazione e svelamento dell’opera Venerdì 29 Novembre alle ore 17.30,
Banca Generali Private, Varese
Mostra a cura di Debora Ferrari e Luca Traini dal 29/11/2019 al 31/1/2020

L'esposizione è prorogata fino al 31 Gennaio

Particolare dell'opera

Dipingo per me, prima di tutto, ma con la precisa coscienza che io sono come gli altri, sono anch’io uno del pubblico.
Quindi, esplorare il mio petto, come diceva Leopardi, significa esplorare il petto di tanti altri, della gente, dell’umanità.
Renato Guttuso

Proseguendo l’operazione iniziata in estate con la mostra Come la luce, dove i curatori hanno riportato alla luce opere importanti da collezioni private, verrà presentato alla cittadinanza un capolavoro di Renato Guttuso custodito in collezione privata da lungo tempo: Naufragio (1950).
L'opera in ceramica di grandi dimensioni, di particolare originalità e pregnante forza evocativa, resterà in visione fino al 19 gennaio, mentre prosegue anche la grande mostra Guttuso a Varese nei Musei Civici di Villa Mirabello.
L’ esposizione in Banca Generali Private (Piazzetta San Lorenzo, accanto alla Basilica di San Vittore, in pieno centro storico), in collaborazione col Comune di Varese, è accompagnata da una plaquette con interventi dei curatori, di Serena Contini, curatrice della mostra a Villa Mirabello, e di Guido Stancanelli, District Manager, e Daniela Parravano di Banca Generali Private Varese.

La nuova plaquette TraRari TIPI

Siamo felici di sostenere e ospitare presso la nostra sede una presentazione così eccezionalmente unica. Siamo convinti che il nostro sostegno ai risparmiatori del territorio debba andare oltre la tradizionale sfera degli investimenti e per questo motivo vogliamo coinvolgere i nostri clienti e tutti gli appassionati di beni culturali in percorsi originali e fuori dagli schemi tradizionali di fruizione dell’arte dichiara Guido Stancanelli, District Manager di Banca Generali Private a Varese, Como e Legnano.

Questo aspetto dei patrimoni privati di beni artistici è molto importante -aggiunge Daniela Parravano di Banca Generali Private di Varese- perché nel diritto dell’arte anche una proprietà privata contiene un senso civico pubblico e parlando di investimenti, l’arte e la cultura sono sempre importanti per la crescita di una società.
L’opera, inserita già nel catalogo generale di Crispolti vol. 4,
sarà svelata al pubblico solo in occasione del vernissage del 29 novembre.

Per Guttuso Varese, durante più di un trentennio, fu luogo di affetti e di incontri. Qui coltivò rapporti amicali e professionali con uomini di cultura che nella città prealpina vivevano o trascorrevano, come lui, periodi di villeggiatura. Serena Contini

È sempre interessante ricostruire i percorsi di un’opera d’arte, soprattutto quando da una vita pubblica passa a vita privata e viceversa, perché nel suo iter ripercorriamo i gusti e i tratti del collezionismo e del mercato dell’arte, tanto quanto l’importanza culturale del significato nella società di ieri e di oggi. Debora Ferrari

Una costante dell’arte di Renato Guttuso dalla prima giovinezza agli ultimi anni è la partecipazione ai diversi aspetti della sofferenza umana e alle forme di rivolta e di solidarietà che ne conseguono. Nel contesto di una natura, continuamente indagata ed evocata in profondo, che non è mai indifferente, anzi, in profonda simbiosi col sentire dell’artista. Luca Traini
COME LA LUCE _ DAI MACCHIAIOLI ALLO SPAZIALISMO

 Una nuova mostra curata da Debora Ferrari e Luca Traini, un nuovo libro TraRari TIPI

COME LA LUCE
Dai Macchiaioli allo Spazialismo_collezionando a Varese

Ideazione e cura di Debora Ferrari e Luca Traini

Castello di Masnago, Via Cola di Rienzo, Varese

Banca Generali Private, Piazzetta San Lorenzo, Varese

Cesare Maggi, Monte Rosa: Punta Dufour

Una mostra e un libro nascono dalla catalogazione di due anni con collezioni private varesine da parte dei curatori. Le opere coprono un periodo tra XIX e XX secolo e tra queste il trait d’union è l’evoluzione della materia ‘luce’ nelle opere pittoriche e il gusto borghese per la piccola scultura a cavallo fra Otto e Novecento, senza dimenticare eleganti suppellettili quotidiane come servizi di porcellana e vasi a firma di noti artisti e designer di un secolo fa. Ciò che il pubblico può raccogliere è uno spaccato di senso privato del possedere la bellezza. Ma il pregio di questa operazione resa pubblica, grazie all’appassionata condiscendenza dei proprietari delle opere, è il poter riconsegnare alla storia dell’arte opere occultate ai più per oltre cinquant’anni perché parti della vita di casa dei collezionisti, pezzi pregevoli e unici, pezzi rari e opere attribuite da riconfermare, tutte facenti parte del processo del collezionare che oggi assume regole e leggi nuove nel diritto dell’arte e nel senso civico di appartenenza alla nostra società contemporanea.

Achille Funi, Cleopatra

Ne escono scoperte e riscoperte, riflessioni nuove innestate sulle antiche dove si era fermato il tempo, possibilità per addetti ai lavori e non di accedere a un patrimonio personale, qui condiviso grazie anche all’amministrazione del Comune di Varese e alla sinergia di enti e partner, Banca Generali Private in primis che da sempre ha tra le sue mission quella della valorizzazione del patrimonio artistico e culturale.

Giorgio de Chirico, Cavallo orientale sulla spiaggia

Fattori, Lega, De Nittis, Boldini, Zandomeneghi, Albertini, Tommasi, Miti Zanetti, Maggi, Pellini, Sironi, Funi, Lilloni, Spilimbergo, Ligabue, Casarotti, Pellini, De Chirico, Crippa, Melotti, Fontana, sono alcuni dei nomi importanti presenti, che si completano con la presenza e le opere di tre artisti contemporanei quali Samuele Arcangoli, Vittorio D’Ambros, Stella Ranza, e di due fotografi d’arte come Roberto Molinari e Raffaella Grandi.

Roberto Crippa, Sole rosso

La mostra è corredata dal catalogo edito da TraRari TIPI con interessanti testi e contributi di Debora Ferrari, Luca Traini, Stefania Barile, Tiziana Zanetti.


Banca Generali si presenta nella sua nuova ‘casa’ varesina nel capoluogo e per due mesi, il periodo della mostra al Castello di Masnago, ospita per chi vorrà visitarla, non solo i clienti, quadri, sculture e fotografie legate alla mostra, come una vetrina nel cuore della città per invitare a passare al Castello.

Ludovico Tommasi, Pini all'Ardenza

Durante la conferenza stampa nella sede, il 13 luglio alle 11.30, alla presenza del District Manager di Banca Generali Private Guido Stancanelli, del Direttore dei Musei Civici Daniele Cassinelli e del Sindaco Davide Galimberti, i curatori e gli artisti spiegheranno la mostra e gli eventi che animeranno le sale del Castello fino a settembre.

Lucio Fontana, Nudo femminile allo specchio

Tra i partner di progetto anche Atelier Pellini di Milano e Casa Fontana a Comabbio che aprirà su prenotazione al pubblico appositamente per il progetto il 7 settembre, data di ricorrenza della morte di Fontana avvenuta nel 1968.

Eugenio Pellini, Il minatore

La mostra è organizzata da E-Ludo Lab con Musea Trarari TIPI e ha il patrocinio del Comune di Varese e dei Musei Civici Varesini.
Tra i partner che collaborano al progetto segnaliamo anche:
SIFFRA Farmaceutici, JOY CYCLINSIDE, FLAI GRAPHIC DESIGN, LOGANDSHIP Varese.

Foto (tranne quelle nel manifesto, il catalogo e il disegno di Fontana) di Guido Paolo Rubino.

APPUNTI DI VIAGGIO

FINISSAGE Conferenza Collezionismo, mecenatismo e diritto dell'arte
“Collezionare arte è un’operazione complessa e affascinante sotto il profilo culturale, intellettuale, sociale e non meno giuridico: il bene in questione non è un bene qualunque pertanto le regole che lo disciplinano sono peculiari e specifiche in un delicato equilibrio tra pubblico e privato”.
Così scrive Tiziana Zanetti, esperta in diritto del patrimonio culturale, che sarà relatrice con i curatori Debora Ferrari e Luca Traini, la critica d’arte Stefania Barile e Stefano Vittorini, che cura le eredità culturali dello scrittore Elio Vittorini e degli scultori Eros ed Eugenio Pellini, in particolare l’atelier in Milano di questi ultimi, che data più di un secolo.
A Varese, Castello di Masnago, domenica 8 settembre ore 15.
In foto: immagini della mostra (al centro l’inaugurazione col sindaco Galimberti), tre quadri esposti (Monte Rosa di Maggi, Cleopatra di Funi, Cavallo orientale di De Chirico), tre libri curati dai relatori (Arte e legalità, San Paolo Edizioni, da Tiziana Zanetti; Come la luce, TraRari TIPI, da Debora Ferrari e Luca Traini; Mutazioni:da De Chirico a De Maria, Mazzotta, da Debora Ferrari e Stefania Barile).


APERTURA STRAORDINARIA DELLA CASA DI LUCIO FONTANA A COMABBIO
SABATO 7 SETTEMBRE

Rimasta intatta come 50 anni fa, come se l’artista fosse appena uscito e stesse per rientrare dopo un viaggio nello spazio. Un evento straordinario quello di sabato 7 settembre: la Casa-Atelier di Lucio Fontana di Comabbio (VA) viene aperta dai nipoti per permettere al pubblico della mostra COME LA LUCE di visitare in modo privato una dimora mantenuta con il rispetto e il carattere di chi l’aveva voluta così, Lucio con la moglie Teresita. Durante la visita che sarà possibile a poche persone per volta -una decina (alle 16 e alle 17)- Luca Traini farà dei momenti di reading letterario e poetico con testi di e su Fontana; Debora Ferrari, coi nipoti Matteo e Marta Vailati, guiderà i racconti dentro le stanze finemente arredate da mobili di design e da armadi e dispense disegnate e fatte realizzare dallo stesso Fontana. Lucio Fontana e lo Spazialismo hanno generato movimenti e correnti che dopo la sua morte hanno continuato la riflessione su spazio-tempo-materia per alcuni decenni con grandi nomi. Per prenotarsi scrivere a


I Contemporanei: le tavole di Samuele Arcangioli, gli acciai ossidati di Vittorio D’Ambros,
le ceramiche di Stella Ranza nel Segno di Lucio Fontana
Se Fontana non fece in tempo ad assistere al primo allunaggio, Samuele Arcangioli, Vittorio D’Ambros e Stella Ranza (il cui nonno, Riccardo Crippa, industriale fondatore di Caffè Hag e pittore, fu proprio il mecenate del rinnovamento estetico di Lucio) hanno vissuto l’epoca delle stazioni spaziali e vivono il trionfo dell’immaterialità nell’era di internet – nel caso di Arcangioli, poi, si dedicano anche alla nuova arte ispirata ai videogame, la Game Art di Neoludica – e in questo nuovo contesto hanno affrontato con grande originalità, ognuno col proprio bagaglio di strumenti e forme, l’esperienza imprescindibile del fondatore dello Spazialismo. La radiazione di fondo di un grande artista non è gelida, mantiene costante il suo calore dando il giusto grado di cottura alle ceramiche di Stella, l’opportuna misura del fuoco per le saldature dei metalli di Vittorio, il tepore per le radici e l’incandescenza per le tavole di Samuele.



Parigi, la Seine, Versailles: i Macchiaioli a colloquio con l’ Impressionismo (De Nittis e Boldini)

Commento musicale: Germaine Tailleferre, Concertino per arpa e orchestra Come per Venezia, il filo conduttore è liquido e gioca col cielo – la pioggia nel passaggio cinematografico dallo studio per Place des Pyramides alla Donna con ombrello di Giuseppe De Nittis – e col rigoglio floreale della statua immersa nel giardino di Versailles e le acque della Senna solcate dai canottieri dei paesaggi di Giovanni Boldini, futuro astro della Belle Époque. “Une œuvre d'art est un coin de la création vu à travers un tempérament”(Émile Zola). Nuovo abito morale, nuova moda dai colori sobri (soprattutto maschile) e un persistente baricentro per i protagonisti dell’arte della prima Età Contemporanea, Parigi, fino alla seconda guerra mondiale. E la Ville Lumière resta un obiettivo privilegiato per gli artisti di uno Stato Italiano sentito allo stesso tempo troppo giovane ma anche troppo gravato da una grande - e pesante - eredità del passato.



Venezia: Interni, Riflessi, Notturni

La visita di Zandomeneghi apre al passaggio dallo stato solido a quello liquido della Laguna di Guglielmo Ciardi: presenze umane emergono dalla simbiosi di acqua e cielo. In cerca di un approdo: l’ombra o il sole in un angolo del Mercato di Rubens Santoro. Per tornare al grande connubio Notturno degli elementi – la luce ha un’origine oscura – nella tela di Miti Zanetti. Una Venezia che rinasce, riaffiora lentamente insieme al giovane Stato italiano, dopo l’eroico sussulto risorgimentale, e, a cavallo fra ‘800 e ‘900, torna protagonista nel campo dell’arte. Grazie alla Biennale, nata da una delibera comunale del 1893 fortemente voluta dal sindaco progressista e poeta Riccardo Selvatico: “E mi sul molo pensieroso intanto che vado tormentandome a dar viva tuta la poesia de quel’incanto”.


I Macchiaioli e il ritorno alla natura

Commento musicale: Alfredo Catalani, Contemplazione Vedere con occhi nuovi la luce qui e ora, mentre dà vita alle forme come simbiosi di macchie di colore e chiaroscuri, è una ricerca del vero e quindi una riflessione sulla storia. Sui nuovi protagonisti,borghesi e proletari (in particolare contadini) fermati nell’attimo del loro rapporto con l’oggettiva presenza nella natura. Lavoro, riflessione e contemplazione come espressione dell’intensità delle relazioni umane al loro interno e nella loro interiorità così come – e questo è il retaggio romantico – della loro assenza nell’evocazione dei fenomeni naturali. La Carovana di Telemaco Signorini è un inno alla forza del lavoro come la grazia delle Contadine di Angiolo Tommasi. Il Paesaggio autunnale dello stesso Signorini trapassa nell’estate dei Pini all’Ardenza di Ludovico Tommasi e dalle ombre degli stessi prende forma La donna che legge di Silvestro Lega. Riflessione assorta, allusiva, presente e allo stesso tempo assente come il Paesaggio fluviale e la Marina di Fattori.

Luca Traini


NEL SEGNO DI LUCIO FONTANA

Disegni e ceramiche tra Varese, Albissola e Comabbio
con i disegni di Lucio Fontana dalla Collezione Crippa
e gli artisti
Samuele Arcangioli Vittorio D’Ambros Stella Ranza Angelo Zilio
Fotografie di Roberto Molinari
A cura di Debora Ferrari, Luca Traini, Paola Grappiolo,


Apertura straordinaria Casa Fontana 22 luglio dalle 17 alle 19.30,
visita e reading previa prenotazione a culturalbrokers@gmail.com

http://viaggionelsegnodifontana.blogspot.it/2016/07/22-luglio-2016-apre-per-un-giorno-la.html

"Questo segno prende vita attraverso la luce e la carta, la macchina analogica fotografica con la pellicola del secolo scorso e la foto digitale di oggi, nelle testimonianze artistiche dei fotografi Gian Barbieri e Roberto Molinari, quest’ultimo pervaso dalla sua ispirazione e dal modo di insegnarci a vedere il mondo con tanta delicatezza da rendere icona anche il taglierino, i colori, i punteruoli, le ciabatte, la vestaglia, il giubbotto, il cappello di Fontana, oggi, in casa sua a Comabbio, come se il grande genio fosse di là, nell’altra stanza, proprio dove stava seduto quando lo fotografava l’amico Gian nel 1966-68."


Un evento straordinario quello di venerdì 22 luglio: la Casa-Atelier di Lucio Fontana di Comabbio viene aperta dai nipoti Esposto-Vailati per permettere al pubblico del progetto Nel segno di Fontana di visitare in modo privato una dimora mantenuta con il rispetto e il carattere di chi l’aveva voluta così, Lucio con la moglie Teresita.
Durante la visita che sarà possibile a poche persone per volta –una decina- gli artisti Samuele Arcangioli, vittorio D’Ambros, Stella Ranza, Angelo Zilio staranno in giardino a disegnare e dialogare col pubblico, Luca Traini farà dei momenti di reading letterario e poetico con testi di Fontana e poesie di Crippa, Debora Ferrari insieme ai nipoti Anna, Matteo e Marta Vailati, guiderà i racconti dentro le stanze finemente arredate da mobili di design e da armadi e dispense disegnate e fatte realizzare dallo stesso Fontana.


L’arte di Lucio Fontana, così come quella di altri grandi esposti in mostra comeFausto Melotti, Renato Birolli, Ernesto N. Rogers, non sarebbe potuta essere come la conosciamo senza la figura di amici-mecenati come sono stati Riccardo Crippa a Varese e Tullio d’Albisola ad Albissola Marina.


"Prima di partire per lo spazio
Prima di partire per la luna
Come artista
Come uomo
Fontana venne nella nostra provincia
Elaborando carte percorsi mappe dell’anima
Nella casa di un amico: Riccardo  Crippa.

Per arrivare da Comabbio a Varese devi attraversare i paesaggi dipinti da Crippa, è il contesto del suo salotto – leggi “simposio”, leggi “anima” – dove ti ritroverai nei disegni di Fontana, insieme a Birolli, Melotti, Rogers. Lo spaziotempo è quello che precede i Concetti Spaziali, la sua luce un calore domestico in felice contrasto con le superfici lunari."

Alla Sala Lucio Fontana è presente la parte espositiva con la figura del mecenate, pittore anche lui, Riccardo Crippa (di cui in mostra è presente un ritratto di Achille Funi), che intorno a sé aveva amici destinati a diventare importanti nel corso del secolo e che lui sosteneva in amicizia ed economicamente. Crippa è stato un grande industriale, fondatore col socio Berger di Caffè Hag, e per l’industria sacrificò molta sua ispirazione artistica, testimoniata per altro dalla ricca produzione di oli e disegni, esposti in parte a Comabbio.


I curatori Debora Ferrari e Luca Traini, hanno curato un libro-catalogo edito da TraRari TIPI che offre spunti inediti sulla lettura dell’arte di Fontana, partendo proprio dall’intimità del segno, dal senso del suo esserci oggi, dall’importanza delle relazioni umane un secolo fa e adesso, all’inizio di questo terzo millennio. Questo era il sogno dello Spazialismo,  perché “l'arte è eterna, non può essere immortale. Morrà come materia (…) ma il gesto è eterno” [dal Primo manifesto dello Spazialismo, 1947].

Il progetto è patrocinato dai Comuni di Albissola Marina e Comabbio, dalla Regione Liguria, dalla Provincia di Savona, da TuoMuseo; è inserito nel Festival della Maiolica di Albisola Marina.

 Comabbio, Sala Fontana: 26.6 >31.7.2016 Opere di Crippa, disegni di Fontana, Birolli, Rogers, sculture di Melotti, fotografie di Molinari.

 Albissola, MuDA e Bludiprussia 2.7 >7.8.2016 Disegni di Fontana, fotografie di Molinari e Barbieri; Bludiprussia: disegni di Fontana e opere e ceramiche degli artisti varesini, foto di Molinari.

Foto Roberto Molinari (C)
FONTANA, MELOTTI, LEONCILLO
Fra Terra E Cielo

L’indagine e la ricerca contengono la dinamica di uno spirito e una materia in perenne dialettica fra il concreto e l’incorporeo. Addirittura nei Tagli di Fontana, nei Concetti leggeri di Melotti, nei Supplizi di Leoncillo, concreto e corporeo giungono a urtarsi – proprio come nei riti – e ciò che è concreto perde il suo significato di realtà così come ciò che è incorporeo si manifesta con prepotenza risultando più reale di qualsiasi cosa che possiamo sperimentare coi sensi.
La ceramica, il ferro, il grès, i disegni.
L’uovo, la scala, la colonna.
Elementi naturali e forme. Forme, non segni, quindi presenze che si significano da sé.

Fra Terra E Cielo

L’uovo, microcosmo simbolico in quasi tutte le culture, principio vitale, il germe di tutta la creazione, la materia organica nel suo stato inerte, contenitore dei quattro elementi… ed anche l’uovo alchemico da cui nascono il fiore bianco (l’argento) e il fiore azzurro (il fiore dei saggi). Elemento che richiama la natura, che è Natura.

La scala, il perpetuo movimento ascendente dell’uomo e discendente della divinità, l’accesso alla realtà, all’Assoluto, al Trascendente, andando dall’irreale al reale, dall’oscurità alla luce, dalla morte all’immortalità, il raggiungimento di un nuovo livello ontologico.
Ma anche la scala cromatica, la scala musicale, la forma di ciò che è ritmo, fantasia, volo, spirito.

La colonna, l’asse del mondo, l’asse verticale che allo stesso tempo separa e unisce il Cielo e la Terra, l’Albero della Vita; due colonne – una nera e una bianca – o una colonna divisa in due rappresenta ogni bipolarità, gli dèi androgini e i diòscuri, il Cancello del Cielo.
Richiamo alla classicità, alla religiosità, allo spazio grave e solenne di un mito.

Ecco dunque questi motivi formali essere al centro, nel cuore, della scultura e dell’opera di Fontana, Melotti, Leoncillo, elementi costituiti da una continua tensione umana, a metà fra corporeità assoluta e diafano apparire dell’essere, fra una condizione terrena ed una celeste.
Il pretesto, l’inizio della novità, contenuti negli elementi riscoperti dai tre artisti – l’uovo, la scala, la colonna – ci parlano dei concetti di Spazio, di Vuoto, di Misura. Si presentano con all’interno lo scontro dialettico fra noto-ignoto, fra luce-ombra, fra spazio conosciuto-infinito insondabile.
Questo è il centro del lavoro di questi tre grandi maestri: l’indagine interminabile di nuove realtà, nuove forme, nuove materie e il rapporto con l’infinito.
La ricerca esistenziale di un ‘perché’ dell’arte e di un ‘come’ il più vero possibile.

Debora Ferrari

Tratto da Fra Terra E Cielo - Fontana, Melotti, Leoncillo (Premia Edizioni, 1995),

a cura di Debora Ferrari, con un saggio di Luciano Caramel
REFLEXions - ANDRE VILLERS
Album Villers ou l'imaginaire portatif

ANDRÉ VILLERS, FOTOGRAFO PERSONALE DI PICASSO Un maestro, un amico

In autunno saranno 90 anni dalla nascita, ma voglio ricordarlo in una bellissima giornata di sole, come quando l’ho conosciuto (nel 2007), la stessa luce calda e conviviale delle sue fotografie anche se prediligeva il bianco e nero, colore dei sogni. Dieci dall’ultima mostra che io e Debora Ferrari abbiamo curato a Venezia con l’aiuto di Andrea Ferrari e Simona Zazzi. Prima c’erano state le esposizioni del 2008: Brenta, Varese e soprattutto Aosta, quelle cascate di veli trasparenti all’ Hotel des Etats nella splendida piazza Chanoux, dove i suoi scatti cristallini offrivano l’impareggiabile estetica della quotidianità della grande arte del XX secolo. Picasso su tutti, ma anche Prevert, Cocteau, Cesar, Butor, Simone de Beauvoir, Ionesco, Le Corbusier (qualche nome, ma anch'io e Debora abbiamo avuto l'onore): amici ritratti dalla sua Reflex –REFLEXions avevamo chiamato la mostra – non semplici oggetti di una fotografia. E quella foto di Guttuso a Varese che stampò apposta per noi a Mougins e non l’aveva fatto 40 anni prima per un litigio fra il pittore siciliano e Cesare Peverelli, che gli era più caro. E il nostro catalogo TraRari TIPI, Album Villers, che resta ancora il più completo, perché presenta tutto un filone di ricerca della sua arte indipendente dalle foto più famose. Lui, scomparso quattro anni fa, che fu l’unico cui Picasso permise di condividere la ricerca dell’immagine in quell’ennesimo capolavoro che sono i Diurnes:

“Âme
Sylvestre
Et suave”
“Anima
Silvestre
E soave”.

(Michel Butor)

Luca Traini (2020)


Quell’uomo l’ho visto volare. Poetica del genio

“La stanzatelier è una matassa di storie che gode e subisce un horror vacui dubuffettiano capace di offrire a ogni sguardo un nuovo bandolo, un nuovo punto di vista. Dove Villers crea dentro la capanna dentro il giardino di ulivi e animali dentro la collina di Mougins dentro le Alpi Marittime dentro una Costa Azzurra sotto un cielo infuocato, i punti cardinali sono minimo 6. Puoi trovare Occidente e Oriente oppure provare a perdere l’orientamento in una vertigine continua di forme e colori. Si apre la porta: entra lui, il maestro, volando, lasciato alle spalle il bastone/vincastro di Mosè. Dentro la stanza raduna le immagini prima che sia sera, liberandole una a una sotto il tetto dei pensieri, nella tasca infinita del suo immaginario portatile. […] Potrebbe ancora oggi essere un soggetto perfetto per un quadro di Chagall. Si sposta tra le foto e i cumuli di collages, tra personaggi ritagliati e oggetti sparsi, nella stanza dove tutto ciò che è appeso poggia sull’orizzonte e a terra nascono oasi di immagini, si sposta senza toccare il pavimento – gli anni del sanatorio non avranno nemesi – appoggiandosi all’arte, in ogni punto, come su un ponte tibetano personale. Tra la stanza della capanna in giardino e la camera oscura sta da decenni il suo ‘genius loci’”.

Debora Ferrari, da “Album Villers”




“A.”

Arrivo a Mougins con la “Pesca di notte ad Antibes” di Picasso negli occhi e un “Amore lontano” cantato da Jaufre Rudel. Un calore tutto umano, animale (cioè dotato di anima, quella vera) attende un trovatore cubista a casa di André Villers. La capra di Picasso diventano capre vere, verissimo il golden retriever Phébus che mi accoglie con ogni genere di feste.
Gli occhi di Matthieu, musicista, figlio, dove la malinconia del flauto di Poulenc si sposa a quella sorridente di Mike Hailwood.
Gli occhi di Chantal, moglie e madre anche di pietre dipinte, sottilmente venate.
Gli occhi di André Villers, marito, padre e, sotto molti punti di vista, figlio ai nostri occhi di Pablo, Picasso, e di tutta una schiera di artisti che fanno ancora la gioia dei nostri occhi.
Occhi allevati, allenati dalle mura di un sanatorio dove André restò giovane recluso per i biblici 7 anni. Tu le ritrovi sui muri bianchi esterni/interni della sua casa, ne devi fissare le increspature, le fessure, le rughe come strade che ti guidano alla radice, alle fondamenta delle cose.
Rughe, fessure, linee su carta bianca, siano ombre di steli, ritagli di un découpage o le rughe del volto di un ritratto di Cocteau (“Tant de douceur/ dans notre moelle,/ c’est un masseur/ graissé d’étoiles”, “Tanta dolcezza/ nel nostro midollo/ è un massaggiatore/ unto di stelle”), di Ponge (“La surface du pain est merveilleuse d’abord/ à cause de cette impression quasi panoramique/ qu’elle donne: comme si l’on avait à sa disposition sous la main les Alpes,/ le Taurus ou la Cordillère des Andes”,  “La superficie del pane è meravigliosa in primo luogo/ per questa impressione panoramica/ che dà: come se si avesse a disposizione sottomano le Alpi,/ il Tauro o la Cordigliera delle Ande”), di Prévert (“Et quand tous deux nous gravissions/ de l’escalier de la maison/ tous les degrés/ sur les murs avec ton gravoir/ tu gravais ma gravelure”, “E quando tutti e due salivamo/ della scala di casa/ tutti i gradini/ sui muri con la tua gradina/ incidevi i miei sottintesi”).
Quando più superfici vogliono dire profondità.
Quando la luce di una foto è accesa dall’amicizia, dalla familiarità.
Questo il segno distintivo e il senso delle foto di Villers: quando lui ti dice che fotografa col ventre un soggetto che finalmente guarda se stesso e trova il senso dell’esserci e restare qui fra noi mai a metà strada fra la macchina che riprende e quello che non c’è più.
L’uomo è qui, nella foto, come la bottiglia che porta il messaggio di una foglia, di una piuma, la carta bagnata che si piega e dà vita alle sue ombre.
La tela dove Hartung si piega nello sforzo di passare un rullo.
Gli spaghetti che ondeggiano sul cantatore calvo Ionesco.
La saliva di Villers che dovrà restare anche nel negativo di un “pliage d’ombres”.
La garza stesa sulle parole che, in altre luci, in altre foto di André finiranno per comporre il volto dell’autore di tanti altri versi scritti sulle sue foto, il volto che si sfrangia di Butor: “Ame/ sylvestre/ et suave”, “Anima/ silvestre/ e soave”.
La scrittura anche sul volto di Chantal che emerge dal nero che è un colore (Maeght dixit) – e il ritratto di Aragon:
“Mon coeur
            que lui dirons-nous quand nous la verrons
                        Compte les fleurs ma chère
                        compte les fleurs du mur »
« Cuore mio
            che le diremo quando la vedremo
                        Conta i fiori mia cara
                        Conta i fiori del muro”.


"A."

J’arrive à Mougins avec la “Pêche nocturne à Antibes »de Picasso  dans les yeux et « un amour lointain » chanté par Jaufre Rudel dans mes oreilles.
Une chaleur toute humaine, animale –c’est-à-dire possédant une âme, une chaleur vraie- c’est ce qui attend un trouveur cubiste chez André Villers. La chèvre de Picasso se transforme en de vraies chèvres. Plus que vrai le golden retriver Phébus qui m’accueille en frétillant de joie.
Et puis il y a les yeux de Matthieu, le fils, un musicien où la mélancolie de la flûte de Poulenc se marie à celle souriante de Mike Hailwood.
Et les yeux de Chantal, femme et mère, mère aussi de pierres peintes, légèrement veinées.
Les yeux d’André Villers, mari, père et, de plusieurs points de vue, fils, à nos yeux de Pablo Picasso et de toute une lignée d’artistes qui font le joie de nos yeux.
Des yeux élevés, entraînés par les murs du sanatorium où André demeura jeune reclus pendant la période biblique de sept ans. Tu les retrouve sur les murs blancs intérieurs/extérieurs de sa maison. Tu dois en fixer les fronces, les fissures, les rides telles des routes qui te conduisent aux racines, aux fondements des choses.
Des rides, des fissures, des lignes sur papier blanc, que ce soit des ombres de tiges, des coupures d’un découpage ou des rides du visage du portrait de Cocteau (« Tant de douceur/ dans notre moelle,/ c’est un masseur/ graissé d’étoiles »), di Ponge (« La surface du pain est merveilleuse d’abord/ à cause de cette impression quasi panoramique/ qu’elle donne : comme si l’on avait à sa disposition sous la main les Alpes,/ le Taurus ou la Cordillère des Andes »), et de Prévert (« Et quand tous deux nous gravissions/ de l’escalier de la maison/tous les degrés/ sur les murs avec ton gravoir / tu gravais ma gravelure »).
Lorsque plusieurs surfaces signifient profondeur.
Lorsque la lumière d’une photo est allumée par de l’amitié, la familiarité.
C’est cela la marque distinctive et le sens des photos de Villers: quand il te dit qu’il photographie avec le ventre un sujet qui finalement se regarde lui-même et il trouve le sens d’être ici parmi nous et jamais à mi-chemin entre la caméra qui reprend et ce qui n’est plus.
L’homme est ici, dans la photo, comme une bouteille qui porte le message d’une feuille, d’une plume, le papier mouillé qui en se pliant donne vie à ses ombres.
La toile où Hartung se plie dans l’effort de passer un rouleau.
Les spaghetti ondoyants sur le chanteur chauve Ionesco.
La salive de Villers qui devra rester même dans le négatif d’un «pliage d’ombre».
La gaze étendue sur les mots qui, dans d’autres lumières, dans d’autres photos d’André finiront par composer le visage de l’auteur de tant d’autres vers écrits sur les photos. Le visage qui s’effrange de Butor (" Âme / sylvestre/ et suave ").
L’écriture aussi sur le visage de Chantal qui surgit du noir qui est une couleur (Maeght dixit)- et le portrait d’Aragon.
« Mon cœur
            que lui dirons nous quand nous la verrons
                        Compte les fleurs ma chère
                        Compte les fleurs du mur».

Luca Traini, da "Album Villers"
André Villers con Debora Ferrari

Portraits. La perspective du ventre

[...] Un des secrets de l’art de Villers vient du fait que ses travaux ne sont pas isolés, même quand les sujets sont uniques. Cela vient du fait que l’amitié et la rencontre ont toujours été à la base de son activité et parce que de toute ses photos transparaît une humanité sincère.
Personnage aussi important que Picasso pour son histoire, Jacques Prévert devient aussitôt un ami précieux de Villers, comme il a été pour d’autres artistes et photographes.
Tous autour de Jacques comme tous autour de Pablo. Selon Villers, il était la source où tout le monde allait puiser – en particulier Cocteau et Prévert- parce qu’il avait toujours des phrases et des définitions dont il faisait cadeau, des trouvailles nouvelles et imprévisibles.


Jours de visite, de travaux, de rencontres, de bavardages, films, cigarettes, amours, vernissages et fêtes populaires, matchs de foot et réceptions chez les collectionneurs. Tout cela se passe à partir de 1953 autour de Picasso et pas seulement. Le livre Diurnes fait en 1962 avec les photos de Villers, les découpages de Picasso et les textes de Prévert témoigne de ce profond lien qui a traversé le temps.
Rien n’aurait été possible sans la Rolleiflex de Villers. La caméra à l’origine de tout.
Ainsi naissent les portraits, nets, intenses, forts. On les croiraient de l’époque de la Renaissance à cause du plan avancé du sujet qui joue avec les autres composantes de l’arrière-plan comme un méplat de Donatello, comme dans un portrait du Pollaiolo, comme dans une vision quadraturista de Mantegna.
La non solitude et la «perspective du ventre», voici deux secrets de la photographie de Villers. [...]

Debora Ferrari, da "Album Villers"

REFLEXions ad Aosta

REFLEXions a Brenta



 Luca Traini legge REFLEXions al Salone del Libro di Torino (2008)
LA GRANDE FOTOGRAFIA DI ROBERTO MOLINARI IN MOSTRA



OBIETTIVO SOGGETTIVO
ARTE_FOTOGRAFICA DI ROBERTO MOLINARI

A CURA DI DEBORA FERRARI E LUCA TRAINI

VARESE, SALA VERATTI Via Veratti, 20

Nuovi orari in Agosto: da Giovedì a Sabato Ore 15-18
Finissage Domenica 12 Agosto Ore 15 con Lettura Poetica di Luca Traini

Col Patrocinio del MiBAC Anno Europeo del Patrimonio Culturale2018 e in collaborazione con ALINARI Firenze, Comune Varese e Comune di Gemonio



Risultati immagini per roberto molinari fotografo


La raffinata visione di Roberto, discreto e silenzioso interprete della realtà, di cui ha sempre evitato di registrare passivamente il mero riflesso.

 
Inizio dell'esposizione e china su pietra di Roberto Molinari
Una mostra, un libro, una serie di conferenze, vogliono svelare al grande pubblico l'attività trentennale di un fotografo d'arte: Roberto Molinari (Gemonio, VA, 1946-2017), che nella sua carriera ha seguito numerosi artisti nazionali e internazionali, nei propri atelier, alle mostre, in cantieri di lavoro sulle Alpi Apuane o nelle storiche fonderie lombarde. La fotografia come documento collettivo.


Chi visita la mostra può ripercorrere più di trent’anni di arte varesina e non solo attraverso le figure dei protagonisti.

Roberto Molinari (c), Paolo Borghi e Samuele Arcangioli
La sua fotografia possiamo ribattezzarla ‘photosophia’ perché la sua attenzione era all’anima e al senso delle cose, in relazione una con l’altra. Non si limitava a riprendere le opere d’arte destinate a essere scontornate su un catalogo, le faceva vibrare dello spazio circostante, della luce interiore, del significato per un preciso momento storico o un moto sentimentale. 
Roberto Molinari (c), Lo studio di Eugenio ed Eros Pellini

La sua è stata una fotografia essenziale, piena di verve, a volte drammatica, a volte gioiosa, sempre rispettosa di ciò che andava a immortalare per sempre, in connessione col senso della vita.
Roberto Molinari (c), Stella Ranza e Angelo Zilio

La sua ispirazione ci ha insegnato a vedere il mondo con la sua delicatezza poetica tanto da rendere icona ogni cosa che fotografava, come il grande lavoro per Lucio Fontana nella casa di Comabbio(2016) dove ha documentato, insieme ai nipoti del grande artista, in modo essenziale e poetico i suoi strumenti, come taglierino e colori, e i suoi indumenti di lavoro nell’ambiente di design domestico.
Debora Ferrari

Roberto Molinari (c), Hsiao Chin
Mostra di ritratti e fotografie in studio e in pubblico con più di 30 artisti internazionali nell’arco di 30 anni di fotografia, bianco e nero, colore, cibachrome, foto digitale, video.
Roberto Molinari (c), Kengiro Azuma e Niccolò Mandelli Contegni

Opere fotografiche rielaborate a colori e collage da Roberto Molinari. Creazione del sito internet dell'Archivio Fotografico Molinari. Obiettivo Soggettivo sarà anche un libro in limited edition di TraRari TIPI edizioni.

Roberto Molinari (c),  Luca Lischetti e Nes Lerpa
Un grande fotografo, anche quando ci lascia, non chiude mai gli occhi perché resteremo sempre in quello che ha aperto per restituirci il mondo.
Roberto Molinari ci ha donato il terzo occhio a passo di danza, in pose da acrobata: improvvisamente era lì, poi sembrava scomparire – e ti era sempre accanto. Era quanto doveva ancora essere detto, la misura sottile della visione, lo sguardo.
Luca Traini

Roberto Molinari (c), Albino Reggiori
Senso del progetto

“La visione è l’arte di vedere cose invisibili” e in questo modo Roberto Molinari ha dato al mondo dell’arte e agli artisti la sua personale poetica di ripresa attraverso la fotografia.
Roberto Molinari (c), Il poeta Silvio Raffo

Attivo da oltre trent’anni in territorio varesino e nazionale, Molinari era passato dalla passione per il disegno a china e matita, che coltivava con grande raffinatezza, a metà anni Ottanta, all’amore per la fotografia d’arte e di reportage poetico, lui stesso stampatore dei suoi indimenticabili bianchi e neri.

Roberto Molinari (c), Vincenzo Morlotti e Giorgio Robustelli

Veniva chiamato dagli artisti per la sua capacità poetica di documentare il lavoro dell’arte e il suo esito pubblico rispettando la personalità dell’autore, accentuandola naturalmente.

Roberto Molinari (c), Giorgio Vicentini

Elenco artisti (sintetico)

Abate, Ambrosini, Arcangioli, Azuma, Baj, Bodini, Borghi, Botero, Buda, Caminati, Casiraghy, Chisari, Cipolla, Costantini, D’Ambros, Dangelo, D’Oora, Fabbri, Al Fadhil Ferrario, Fontana, Gandini, Isella, Leoncillo, Lerpa, Lindner, Lischetti, Maineri, Mandelli, Marrocco, Milani, Monti, Morlotti, Pedretti, Pellini, Penna, Piccaia, Pizzolante, Quattrini, Raffo, Ranza, Ravedone, Reggiori, Robustelli, Robusti, Rossello, Salino, Savinio, Sangregorio, Scarabelli, Hsiao Chin, Sovana, Tavernari, Tapia Radic, Traini, Veronesi, Vicentini, Zilio.

Roberto Molinari (c), Anny Ferrario e Pina Traini
Tutti gli artisti diventano ‘opere’ esposte con fotografie stampate da Roberto Molinari e donate agli stessi e altre recuperate nel suo archivio.

Roberto Molinari (c), Floriano Bodini con la figlia Sara e Giancarlo Sangregorio
Dal 15 settembre al 6 ottobre la mostra sarà anche al Museo Civico Floriano Bodini di Gemonio con in più una sezione dedicata alle ambientazioni, dagli studi alle mostre ai luoghi di lavoro degli artisti.
Roberto Molinari (c), Sergio Tapia Radic

Al Museo Bodini si terranno anche incontri prestigiosi come quello con Alinari di Firenze sulla fotografia.

Raffaella Grandi (c), Obiettivo Soggetivo - Omaggio a Roberto Molinari
(parete di fondo della mostra)



Per approfondimenti

lucatraini.blogspot.com/2017/04/la-photosophia-di-roberto-molinari
lucatraini.blogspot.com/2016/07/nel-segno-di-lucio-fontana
repubblica/2016/07/26/conoscere-fontana-tra-la-mostra-in-comune-e-il-buen-retiro-sul-lagoMilano
ilgiornaledellefondazioni/casa-di-lucio-fontana-quasi-cinquantanni-dopo
Altre foto Dall'alto Luca Traini, Il grembiule di Lucio Fontana fotografato da Roberto Molinari e la Sibilla; Debora Ferrari, Ritratto di Roberto Molinari; Luca Traini, Inizio dell'esposizione e china su pietra di Roberto Molinari, L'inaugurazione.
LA PHOTOSOPHIA DI ROBERTO MOLINARI
Ci ha lasciato domenica 23 aprile il poeta-fotografo di Gemonio


Un grande fotografo, anche quando ci lascia, non chiude mai gli occhi perché resteremo sempre in quello che ha aperto per restituirci il mondo.


Qui e in alto Roberto Molinari in due ritratti di Debora Ferrari

Roberto Molinari era è l’arte che fotografava: quella forza misteriosa dietro un’apparenza così fragile.


Ci sarà pure un motivo se parliamo di anima. Quella messa a fuoco, quel gioco di luce impalpabile.

Qui e sopra due foto di Roberto Molinari dello studio di Lucio Fontana a Comabbio (VA) tratte dal catalogo
della mostra, curata da Debora Ferrari e Luca Traini, Viaggio nel segno di Fontana, TraRari Tipi, 2016

Roberto ci ha donato il terzo occhio a passo di danza, in pose da acrobata: improvvisamente era lì, poi sembrava scomparire – e ti era sempre accanto. Era quanto doveva ancora essere detto, la misura sottile della visione, lo sguardo.

Gli artisti e i curatori della mostra Viaggio nel segno di Fontana in una foto di Roberto Molinari:
da sinistra, Vittorio D'Ambros, Angelo Zilio, Stella Ranza, Debora Ferrari, Samuele Arcangioli, Luca Traini.

Non può essere assente. Restiamo nel suo riquadro in attesa che dica “Va bene”. E riabbracciarlo mentre sorride, anche nel bianco e nero dei sogni.


ROBERTO MOLINARI E LA SUA PHOTOSOPHIA


Roberto Molinari, Sergio Tapia Radic

“La visione è l’arte di vedere cose invisibili” e in questo modo Roberto Molinari ha dato al mondo dell’arte e agli artisti la sua personale poetica di ripresa attraverso la fotografia. Attivo da oltre trent’anni in territorio varesino e nazionale, Molinari era passato dalla passione per il disegno a china e matita, che coltivava con grande raffinatezza, a metà anni Ottanta, all’amore per la fotografia d’arte e di reportage poetico, lui stesso stampatore dei suoi indimenticabili bianchi e neri.
Roberto Molinari, Albino Reggiori

Con chi firma questo articolo ha scattato migliaia di fotografie in studi, atelier, mostre d’arte, vernissage, conferenze stampa, pubblicate anche per La Prealpina e Lombardia Oggi tra il 1990 e il 2000, ma soprattutto veniva chiamato dagli artisti per la sua capacità poetica di documentare il lavoro dell’arte e il suo esito pubblico rispettando la personalità dell’autore, accentuandola naturalmente. Con leggerezza, pudore, semplicità e sincerità, si muoveva intorno ai soggetti  quasi impercettibilmente, come uno spirito che coglie l’apparire segreto del mondo. La sua fotografia possiamo ribattezzarla ‘photosophia’ perché la sua attenzione era all’anima e al senso delle cose, in relazione una con l’altra. Non si limitava a riprendere le opere d’arte destinate a essere scontornate su un catalogo, le faceva vibrare dello spazio circostante, della luce interiore, del significato per un preciso momento storico o un moto sentimentale. La sua è stata una fotografia essenziale, piena di verve, a volte drammatica, a volte gioiosa, sempre rispettosa di ciò che andava a immortalare per sempre, in connessione col senso della vita. La sua ispirazione ci ha insegnato a vedere il mondo con la sua delicatezza poetica tanto da rendere icona ogni cosa che fotografava, come lo scorso anno il grande lavoro per Lucio Fontana nella casa di Comabbio dove ha documentato, insieme ai nipoti del grande artista, in modo essenziale e poetico i suoi strumenti, come taglierino e colori, e i suoi indumenti di lavoro nell’ambiente di design domestico.
Roberto Molinari, Nes Lerpa

La macchina fotografica, l’obiettivo, erano il prolungamento della sua visione cerebrale ed emozionale, tanto quanto era noto per le sue contorsioni nello scatto per carpire le visioni dai punti di vista più segreti. Proprio due mesi fa con noi curatori aveva appena concordato col Direttore dei Musei Civici di Varese la sua mostra personale per i trent’anni di attività fotografica, destinata agli inizi del prossimo anno in Sala Veratti e dal titolo “Obiettivo Soggettivo, i volti nell’arte di Roberto Molinari da Azuma a Scheiwiller”, un repertorio di stampe da lui realizzate negli anni Ottanta e Novanta e una serie di altre fotografie fino alle più recenti, capaci di donarci l’intimità degli artisti e delle loro opere in un centinaio di scatti scelti. Nomi internazionali come Azuma, Abate, Botero, Dangelo, Fabbri, Scheiwiller, Shiao, Veronesi, Sangregorio, Baj, Borghi, Bodini, Lerpa, Ukrufi, per citarne alcuni, accanto ai non meno noti e ben conosciuti a Varese quali D’Oora, Ferrario, Robusti e Robustelli, Reggiori, Vicentini, Lischetti, Arcangioli, Ranza, Zilio, D’Ambros, Morlotti, Traini, Costantini, Monti, Lindner, Ambrosini, Chisari, Quattrini, Scarabelli, Tapia Radic e la lista prosegue. Ha pubblicato le sue fotografie in numerosi cataloghi di artisti, riviste, quotidiani, mai per vanto personale, sempre per servizio agli altri, generosamente. Questo lavoro sulla sua opera proseguirà per avere corpo nella mostra in preparazione e col suo archivio.
Roberto Molinari, Anny Ferrario

Una malattia fulminante gli ha interrotto ogni prospettiva, a settant’anni da pochi mesi compiuti, lasciando noi, parenti, amici e artisti, sconvolti dalla velocità dell’accaduto. Stavamo lavorando a un progetto  di mostra che avrebbe unito le opere di Eugenio Pellini a quelle di Vittorio Tavernari.

ARTE E TECNOLOGIA


[...] Prima col treno e poi con l’automobile velocità mai sperimentate iniziano a sfaldare la compattezza delle forme anche alla luce del giorno: vista da un mezzo di locomozione in corsa la terra diventa sempre più fluida e i colori definiti si trasformano in scie.
[...] E se il fotografo Nadar, alzandosi in volo col pallone aerostatico per inquadrare la città dall’alto, aveva concretizzato il sogno di Parmenide, con l’aeroplano e l’elicottero la rappresentazione in volo diventata dinamica, parallelo celeste del cinema.
[...] L’universo , visto da telescopi sempre più grandi e potenti, amplia la nostra galassia e quindi scardina la sua unicità. Il pianeta degli scienziati e degli artisti si trova nella nuova e contraddittoria posizione di soggetto di questa visione continuamente aggiornata del cosmo e allo stesso tempo di oggetto trascurabile sempre più alla periferia di quanto osservato.
[...] La grande rivoluzione della chimica permette la nascita di due nuove arti: la fotografia e, soprattutto, con l’ invenzione della celluloide, la prima arte capace di riprodurre immagini in movimento ,il cinema.
[...] Le nuove arti permettono la progressiva democratizzazione di massa dell’eredità culturale.
 ATELIER PELLINI: DA PIÚ DI UN SECOLO NEL CUORE DI MILANO



Eugenio Pellini, nato a Marchirolo il 17 novembre 1864 e trasferitosi a Milano nel 1878. Tante le sue opere consacrate nelle mostre, in gallerie e nelle case private, ma il bisogno più grande in questo momento è quello di comprendere l’importanza necessaria del suo spazio e atelier nella Milano di oggi, nella via di ieri, Siracusa, dove aprì da giovane il suo studio per fare carriera, lo stesso vissuto poi dal figlio Eros, anch’egli scultore. Un luogo dove un artista ha fatto nascere la propria arte, l’atelier di Milano, con una storia ultracentenaria, è un luogo da proteggere e amare; la protezione la danno gli eredi e l’amore il pubblico nel riconoscerlo. É quindi direttamente dal suo luogo d’elezione che provengono i pezzi esposti e pubblicati: sculture, taccuini, progetti di monumenti funebri per Varese e per Milano.
E proprio a Eugenio Pellini, presente nella nostra mostra con diverse opere(in primis il Minatore), dobbiamo uno dei primi ritratti italiani di Carlo Marx. Un busto ancora presente nel suo studio milanese - accanto alle vie dedicate al suo Risorgimento, Curtatone, e al suo sindaco, il socialista Caldara - dove le scalpellature danno vita a tutta una serie di scintille di luce che fanno vibrare la forza michelangiolesca del marmo.

Da Debora Ferrari, Luca Traini, Come la luce, TraRari Tipi, 2019

LA REALTA' VIRTUALE DI PIERO DI COSIMO


Le nuove tecnologie forniscono a livello di massa gli strumenti per contesti emozionali che una volta erano privilegio di pochi artisti. La totale immersività  della realtà virtuale, quegli “oculi”, che sembrano rendere ciechi agli occhi degli estranei, in un’ottica storica sembrano riflettere l’autosindrome di Stendhal di certi pittori. Il mio amato Piero di  Cosimo ne è un ottimo esempio, con la sua casa, il suo studio dove stava sempre rintanato, come l’enorme casco virtuale di un mondo incantato: “essendo ito col cervello ad un’altra sua fantasia”, “tanto amico de la solitudine” (tra virgolette il biografo, il Vasari). Ecco, un incanto da cui non si vuole uscire se non per le strette necessità di sopravvivenza di un corpo diventato avatar di una Matrix in simbiosi col Mito, la Fabula che insegna e non permette una vita normale all’affabulatore. Le sensazioni non devono essere per forza piacevoli (basta vedere la sua ossessione per il mito di Prometeo). Il piacere del gioco implica anche il dolore della perdita, del rischio di annichilazione del giocatore quando perde l’approdo a un nuovo livello. Apri Piero di Cosimo in un motore di ricerca, Immagini, mettiti gli occhiali del Sant’Antonio della “Visitazione”, calza gli stivali alati di Mercurio e diventa Perseo che vola incurvando montagne celesti, sprofonda nei gorghi del mostro, riaffiora dagli spruzzi delle sue narici e libera Andromeda. Nel quadro magico c’è anche una colonna sonora fatta di musicisti esotici e strumenti impossibili. C’è casa sua sulla collina selvaggia di sinistra, non in città, non a Firenze, con la natura che va per i fatti suoi per espresso desiderio dell’artista - “lasciava crescere le viti et andare i tralci per terra, et i fichi non si potavono mai, né gli altri alberi, anzi si contentava veder salvatico ogni cosa” – perché l’ordine è astratto, è arte, è sogno, è gioco: il gioco degli dei evocato, imitato, travisato, concretizzato – olio, pigmenti o Photoshop – dal giocatore.
TOMMASO DA MODENA: MEDIOEVO IN REALTÀ AUMENTATA

Commento musicale Marchetto da Padova, Ave corpus sanctum

E la rivoluzione del realismo di Giotto strizzò l’occhio alle nuove tecnologie. Dei quaranta superbi ritratti di famosi domenicani affrescati da Tommaso nel Convento di San Nicolò a Treviso (1352) è chiaro che ne balzano agli occhi soprattutto due. Il cardinale Nicolas Caignet di Fréauville con la lente e il suo collega Hughes di Saint-Cher con gli occhiali: prima assoluta nel mondo dell’arte. Non che mi siano particolarmente simpatici - preferisco Alberto Magno che ti squadra e sembra dire: “Solo l’esperimento dà certezza” – conoscendoli so che mi avrebbero spedito dritto al carcere a vita o sul rogo. Ma l’artista: che fine psicologia, che nuovi stupendi strumenti! Una rivoluzione in mano a due che immaginavano di incarnare la più pura tradizione. Che invece è sempre - e per fortuna – impura e soggetta alle nuove riflessioni imposte proprio dai nuovi mezzi della tecnologia. Parlando di lenti e occhiali quasi certamente qualcosa di simile era già stato escogitato in età antica, dalle pratiche degli astronomi assiri agli studi di ottica dei grandi scienziati ellenistici a quella specie di lente che usava Nerone, miope non solo in politica. Ma è il tanto bistrattato Medioevo a realizzarli in silenzio, senza inventori, devotamente (e grazie agli studi del francescano Ruggero Bacone, con cui inquadro i tre domenicani). Occhiali antenati della nostra realtà virtuale e aumentata, ne accennavo già nelle Connessioni Remote della prima mostra di Neoludica ad Aosta nel 2009.

Grazie a loro riusciamo a vedere e a venire in possesso di informazioni non più disponibili sia nel campo dei media (all’epoca il libro) che in quello della vita (la realtà rivisitata con occhi nuovi). Prima c’era la memoria esercitata da un feroce insegnamento di nozioni da tenere a mente o il semplice aiuto di un’altra persona che leggeva ad alta voce o indicava quanto non più visibile (e c’è da dire che l’invisibile allora era di moda). Lenti e occhiali aiutarono una nuova dimensione di visione individuale del mondo e una lettura sempre meno ad alta voce e più mentale (come la nostra: difficile immaginare oggi il vocio delle biblioteche dell’epoca o, peggio, di quelle antiche piene di retori). Aprirono la strada verso nuovi mondi prima impensabili: il macrocosmo (col telescopio) e il microcosmo (col successivo microscopio). Due realtà sempre esistite, ma penetrate in quella ritenuta quotidiana e rese visibili, accessibili, studiabili solo con questi strumenti. E la “realtà”, termine in continua - e parziale – definizione, non fu più la stessa. In tempi più recenti l’ottica applicata all’arte avrebbe portato alla camera oscura (gioia di schiere di pittori dal Barocco alla Rivoluzione Francese), alla fotografia e alle cineprese: dal gioco delle ombre a quello dell’immagine riprodotta senza pennello o scalpello, alla riproduzione del movimento (ultimo scandalo: prima della democrazia dominava l’immobilità del signore, a muoversi era il servo). Fino alle nuove realtà tecnologiche che immergono la vista in nuovi panorami e intelligenze. Perché “intelligenza” deriva da “intus legere”, leggere dentro le cose, andare oltre l’apparenza. Perché le apparenze, come le realtà, sono tentativi di sintesi di differenze.

Luca Traini




 ARCHITETTURA E LETTERATURA Palladio e Trissino

Se nel 2010 il congresso degli Stati Uniti ha riconosciuto Palladio “padre dell’architettura americana” il merito è anche di un poeta dai versi meravigliosamente noiosi: Gian Giorgio Trissino da Vicenza .Non parlo tanto del poema L'Italia liberata da' Gotthi, commovente mattone, ma di quelle Rime dove, da formidabile erudito, propose triti amori in una rivoluzionaria scrittura che aggiungeva lettere greche all’alfabeto italiano. Un tentativo di riforma in epoca di Riforme brandito, da bravo cavaliere di stirpe nobile, contro la codificazione della lingua letteraria proposta dal Bembo, pur “ʃapεndo, che la maggior parte de gli hωmini inεxpεrti fuggono la innovatione”.
E infatti l’assalto fallì. Restano una prosa efficace, aver riscoperto, tradotto e fatto stampare il De Vulgari Eloquentia di Dante e aver educato ai classici un “giovane favoloso”, Andrea di Pietro, guidandolo fra le antichità di Roma e ribattezzandolo Palladio.
E’ lui a fargli conoscere Vitruvio, prototipo dell’architetto colto (“litteras architectum scire oportet”) che diventerà modello per I Quattro Libri di Architettura,pubblicati a Venezia nel 1570: “Mi proposi per maestro e guida Vitruvio ”(cioè,Trissino).
Tramandando e tradendo fedelmente nella pratica tutti e due. Così l’erudizione diventò Arte.

Luca Traini

 CASTELSEPRIO-SIRIA: SANTA MARIA FORIS PORTAS


Ogni volta che torno in pellegrinaggio laico a questo capolavoro assoluto, evanescente la memoria va alle ultime pagine della Storia dei Longobardi del mio caro Paolo Diacono, quelle dedicate all’intensa attività di costruttore di chiese e monasteri del re Liutprando (prima metà VIII sec.).
Nell’arte i Longobardi amavano scegliere a seconda dei casi (politici) simbolismo o realismo. Specie per quest’ultimo, manodopera orientale. E come mi sono chiesto perché sono finito in questi boschi dalle bionde colline delle Marche, così forse anche l’artista siriaco, che immagino fuggito (povera, grande Siria anche allora) dalle lotte iconoclaste dell’impero bizantino. Per affrescare in quello che oggi è silenzio, ma allora vivace cittadina, questo mirabile esodo dall’arte antica (ora Patrimonio dell’UNESCO). Da un Vangelo apocrifo poi, come quello di Giacomo! Lo stesso illustrato con immagini affini in un dittico eburneo di qualche anno prima, sempre di provenienza siriana.
L’uomo, l’artista, lo straniero – l’artista è sempre straniero – è trasumanato in quella sublime dolcezza dove è la terra a ispirare il cielo. In quella intensità di gesti, di sguardi che non aveva bisogno di parole.

Testo e foto di Luca Traini
CHIESA DI SANT'ANTONIO DI VARESE Falò e luce interiore

A mio agio nella folla che assiste al falò o fra i pochi assorti in chiesa. Come nello scorrere impetuoso del tempo al ritmo del fuoco: dal presente al Rococò al Barocco, dalla città-giardino di oggi al deserto infuocato degli eremiti egizi (Varese e i suoi santi africani: dall’Egitto di Antonio al Marocco di Vittore, cui è dedicata la basilica).
Un luogo per il culto degli eremiti nella più antica piazza del mercato della città. Il culto economico degli anacoreti per l’autarchia. Pambo, discepolo proprio di Antonio: "Nel deserto non mi ricordo di aver mangiato 'un pezzo di pane dato in dono' (Paolo, Lettera II ai Tessalonicesi) fuori dell'opera delle mie mani" (Palladio, La storia lausiaca). Un monito a non esagerare con lo spirito, quello affaristico.
Contrasto su contrasto riprendo il falò in uno specchio ed entro nella chiesa da una delle due porte trompe-l’oeil per assistere alle vite parallele dei putti settecenteschi con le statue già vecchie d’un secolo. Quando sono stanchi di svolazzare felici o di giocare con tiare e paramenti li vedi che cercano di incrociare lo sguardo con le sculture di terracotta. Invano. È il caso di quell’angioletto ormai fantasma con un distratto Ilarione di Gaza.
Poi c’è quel Paolo di Tebe, michelangiolesco (ma opera dello sconosciuto Francesco Selva), di così sofferta, orgogliosa solitudine…
Non resta allora che perdersi nelle architetture visionarie del Baroffio e nelle creature in volo che le abitano, dipinte dal Ronchelli.
In excelsis. Insieme agli ultimi biglietti dei desideri che i vigili del fuoco affidano alle lingue di un altro incendio.

Testo e foto di Luca Traini
MUSEO BAROFFIO, SACRO MONTE, VARESE: ASCESI ESTETICA


Stendhal: “L'aspetto del villaggio stretto intorno al santuario del Sacro Monte di Varese è straordinario… Visione magnifica! Al tramonto del sole si vedevano sette laghi”.
Bisogna riporre le ali quando si entra nel museo dopo essere stati rapiti sulla balconata. Ma è per poco. Altri voli ci aspettano all’interno.
In primis, una Madonna con Bambino di Domenico e Lanfranco da Ligurno (1196 ca.), che sembra pronta al decollo per raggiungere il disco d’oro dei Voyager.
Inserita fra il volo tutto terrestre - e geopolitico - a cavallo di un toro di Europa (figlia di re libanese), opera dell’ambiente di Donato Creti (il primo grande pittore di osservazioni astronomiche), e il San Gerolamo (con la Vulgata, manuale principe del decollo spirituale e temporale della chiesa cattolica), dipinto nel 1745 da Francesco Cappella (cognomen omen).
La base prevede al centro il Compianto sul Cristo morto (e pronto al ritorno in cielo) di un seguace del Van der Weyden, incastonato fra un taglio di capelli per le feste del Maestro della Tela Jeans (settecentesca ma simile a quella dei miei calzoni durante la visita) e le metamorfosi alchemiche dell’Allegoria di Aria e Fuoco in ambito Jan Bruegel Il Giovane (XVII sec.).
Questo il breve Introitus di un cosmonauta dell’arte prima di altre meraviglie che dal passato approdano a una sala numinosa di arte sacra del XX secolo.
Buon viaggio!

Testo e foto di Luca Traini
SALA VERATTI: UN'ARTE PIENA DI GRAZIA

Dal Motore Immobile alle auto che passano, perché tutto passa, anche in Via Veratti, Varese. Restano gli affreschi del refettorio dell’ex convento di Sant’Antonino, dove le monache masticavano Aristotele ribollito da San Tommaso distratte dalla sensualità delle Sibille affrescate in medaglioni dalMagatti rifiniti nelle false architetture del Baroffio. Ci avevano provato a ricondurle sulla retta via della Tomistica piena di polvere e profeti barbogi, ma poi si erano persi in quei volti femminili pieni di grazia  - tutta terrena – e, a loro modo, profetici.


Entriamo da quello che un tempo era il fondale, attori sulla scena di un teatro di fantasmi discreti. Il nostro ingresso  - la porta non è neanche piccola e stretta - si apre nel muro dell’ex convento di Sant’Antonino e in quello dell'affresco attribuito a Donato Mazzolino. Lo splendore dell’opera fa da contrasto con l’oscurità delle notizie sull’autore.


Tra Annunciazione e Strumenti della Passione lascio il segnale rosso degli estintori.


L’Annunciazione è un film.
Esterno. Flashback. Davide, il re, l’antenato suona l’arpa. Commento musicale Sinfonia dal Saul di Händel.
Esterno. Flashforward. Esposizione angelica degli Strumenti della Passione.


I dadi (uno col numero Uno ma tre come in tre Persone), la cui somma è dieci come le dita delle due mani crocifisse - e la divina Tetraktys dei Pitagorici - come mura in piccolo.


La lancia in parallelo con il fusto del giglio. Il putto in lacrime, ma in piedi, diventa l’arcangelo Gabriele che visita Maria. L’altro che piange seduto rimanda alla postura della Vergine.


Quel muro al centro con i mattoni perfettamente squadrati che sanno di Città Celeste. La nostra civiltà è un sogno ad angolo retto (con diritto alla distrazione).


Gabriele: un piede fuori e uno dentro. Annunciazione.


Interno. La bellezza di Maria, destra sul cuore


e sinistra accanto al breviario e al campanello che annuncia il Rosario.


I grani del rosario e il pane fresco o stantio delle monache. Mangiare l’immagine con tutte le sfumature dell’oro per la colomba dello Spirito Santo. Commento musicale O salutaris hostia di Giovanni Battista Martini.


Pane stantio. Profeti. Abdia: il testo più breve dell’Antico Testamento, ma duro e pesante come “roccia di Israele”, come un monolite. Tavola della Legge che graverà su Edom e Varese anche se cercherà scampo sulle alture del Campo dei Fiori o nelle Grotte di Valganna.


Meno stantio Abacuc, sempre vecchio bacucco ma da colori e sfumature più dolci. Come il brandello di testo: “Tu sei uscito per salvare il tuo popolo, per salvare il tuo consacrato”.


Isaia conserva ancora qualche freschezza: “Un figlio ci è stato dato” e prenderà vita da quel magma di colori caldi.


Impromptus: il profeta Daniele con le due dita della sinistra che sembrano chele e quel volto androgino che pare allusione al passaggio dalla rigidità virile del Libro alla grazia pagana della scrittura delle Sibille, come il Virgilio della IV Ecloga e del "pius Aeneas".


E’ ora di spalancare le finestre. Aria dal Magnificat di Vivaldi. Et exultavit.


Maria visita Elisabetta e io resto prigioniero di geometrie e meccanismi di apertura e chiusura delle imposte.


Lattanzio e Agostino avevano liberato le profezie delle Sibille prima del rogo dei loro libri e quelle consunte e rattrappite profetesse avevano preso nuova vita tanto da essere annoverate “nel numero dei cittadini della città di Dio” (Agostino, La città di Dio XVIII, 23.2). Un modello tanto caro a Umanesimo e Rinascimento per la tentata osmosi fra reminiscenza pagana ed eredità cristiana che aveva avuto il suo culmine con Michelangelo negli affreschi della Sistina.


Ecco allora la Sibilla Eritrea che respira a pieni polmoni nel suo décolleté alla moda. La pagina che sfoglia sottile non ha più nulla della dura pietra di Abdia.


La Sibilla di Cuma reca una citazione tronca della IV Ecloga virgiliana, ma il senso è chiaro e la giovane profetessa lo indica in modo cristallino, come quella goccia sulla fronte trasformata in perla.


La Sibilla Persica, degna della Trilogia Persiana di un Goldoni, bella e conturbante con le sue tre perle in una persona. Orecchino, spalla, seno e sguardo perso verso l’alto.


Poi è la Sibilla Libica, a mio modo di vedere, che mostra il suo oracolo come compito ben scritto in un collegio gesuita. Ma quello sguardo…


Quegli occhi guardano oltre. Oltre il pasto frugale delle suore, oltre il lusso apparente e la falsa prospettiva marmorea che in realtà non poteva costringere la grazia prorompente delle donne in quei medaglioni.
Oltre la nostra visita in ritardo di secoli. Ma ora ci siamo.
Quegli occhi, come tutta quest’arte - così imprevista nello scorrere implacabile del tempo, delle auto in Via Veratti, a Varese - guardano al futuro di una nuova città - terrena – che sappia finalmente cogliere il senso profondo - e civile - di tutta questa bellezza.

Testo e foto di Luca Traini
EUGENIO PELLINI, "DUE TELAMONI" (Varese, 1905)

I due Telamoni del Pellini stanno a guardia di un numero 17 da più di un secolo, giganti in una piccola città, testimoni di un mito in grado di sorreggere balconi come architravi di un tempio. Dio e lo spirito dei tempi erano già scesi in forma di vapore nella prima stazione ferroviaria di Varese e come ipostasi di luce per ombre immobili nelle prime lampadine.


Passa il tempo, passano oltre gli studenti che arrivano in treno, indifferenti come gli altri passanti perché alle due statue manca un tempio. C’è San Vittore, c’è il Sacro Monte, ci sono le stazioni della Nord e dello Stato, c’è accanto l’enorme facciata di un cinema storico per la città, il Politeama, chiuso. Ma la gente non ha pietà per chi resta fuori, sotto i cornicioni, i ponti, i balconi, anche se sono statue, soprattutto se sono statue e non rondini o statue non antiche, ma dell’epoca del piccolo re dal lungo nome: Vittorio-Emanuele-III.


Non sei antica, non sei cristiana e allora i gas di scarico t’inquinano senza senso di colpa. Diventano e restano nere, tornano a riflettere l’essenza umana della pietra: essere sempre prigioni e allo stesso tempo angeli. Ci stanno pensando. E non scenderanno.

Eugenio Pellini, Due Telamoni per il balcone di Casa Bianchi (1905), Varese, Via Morosini 17

Testo e foto di Luca Traini
 DE CHIRICO, "I BAGNI MISTERIOSI"
(Triennale di Milano, 1973)
Commento musicale Giacinto Scelsi, Le réveil profond (1972)


Devo chiedere al cigno se è stato Apollo a far scaturire quell’acqua con un graffito. Dinamica e immota, i bordi taglienti come una ferita interiore nel vero composto di ossigeno e idrogeno, che riflette.


Quale Apollo? Quale Ermes? Quali bagnanti? Il gioco è sospeso.


Il pesce è un arbitro muto. Osserva quel tanto che basta gli dei o gli uomini sorgere da onde di pietra, immemori che ogni altare sorge da un sostegno liquido.


Nota come la scala, come i piccoli pilastri poggino saldi sul fondo di una piccola piscina. Tu, se sali, hai la possibilità concreta di passare oltre il fantasma di una porta.



Testo e foto di Luca Traini
BERGAMO: LA MUSA INNAMORATA DI PALAZZO RONCALLI
Commento musicale Ludovico Roncalli, Passacaglia
I resti degli affreschi di Piazza Mascheroni come frammenti lirici.


L’epica dell’uomo con lo scettro è solo un ricordo triste.


Vive di musica discreta il flautista che ama nascondersi, quanto resta di un grande concerto è un soffio evanescente ma tenace.


Sembra ancora ispirare chi spalanca le imposte perché possano baciarsi gli amanti.


Testo e foto di Luca Traini
Per approfondimenti territorio.comune.bergamo.it
ALI E RADICI NELL'ARTE
La Chiesa di Pecetto e i bronzi di Tavernari a Macugnaga (2017)

Dalla chiesa di Pecetto alle nubi che si aprono come sipario sulla montagna, planando nel cuore della Madonna dei Ghiacciai come nel fulcro assorto di Macugnaga, la luce illumina come pura neve l’ala dell’angelo sulla terra madre.
Le radici e la pietra di ritorno dal Lago delle Fate. Quell'isola di luce sui ghiacciai del Rosa.
Il tiglio antico attende il suo millennio, il ritorno di gregge e pastore plasmati nel bronzo da Tavernari. Il bronzo che eredita la struttura del legno nella piazza di Macugnaga, il gioco di incastri che vuole durare nel tempo.
Tavernari, scultore di corpi che si dilatano in cieli, dove sembra accennare evanescenti graffiti ancestrali.
La montagna è come un monumento a una presenza amica.
E una pausa di silenzio severo, appena velato di nostalgia, accompagna il definitivo ritorno all'ovile.



 IL PAESE DELLE PIETRE SOGNANTI

"dal fondolago, fino al nuovo
incendio mi fa strada"

Eugenio Montale, Da un lago svizzero


Commento musicale Arthur Honegger, Suite archaïque

Le prime statue che incontro sono quelle del lago, appena emerse da qualche abisso luminoso. Monocromi squillanti quasi ancora fluttuano approdando nel piccolo porto di Vira Gambarogno.

Foto Luca Traini

La dinamica dominante è quella aerea: un passo dalla terra, dall'acqua - un passo più vicino al cielo, come questo paese incantato, sospeso, dove sono esposte in osmosi.
Qui davvero l'arte è di casa, da quasi cinquant'anni (1968), e si vede, si contempla in una specie di estasi quotidiana; le opere sembrano avere appena socchiuso la porta o guardarti dalla finestra prima di sorprenderti a ogni angolo di strada.

Foto Luca Traini

Maestria dell'organizzazione e genio dell'artista hanno dato vita a una coralità diffusa di presenze e contesti, un percorso mutante di piccoli teatri silenziosi, ognuno aperto a una prospettiva diversa, a un nuovo orizzonte.
Consacrate al vento,

Foto Luca Traini

al verde,

Foto Luca Traini

alla pietra,

Foto G'15

acrobate dei tre elementi (terra, acqua, aria) come il paese che le custodisce come figlie,

Foto G'15

le statue di Ivo Soldini intonano i loro inni muti a un genius loci sognante.




ROBERT RAUSCHENBERG Bed _ Letto (1955)


“Il pittore, il fabbricante di letti, Dio”
Platone, La Repubblica, 597 b


Nel letto di Rauschenberg è il corpo dilaniato del XX secolo, tutta la gamma delle sue ferite ancora vive.


Devi sporcarti gli occhi dentro quei brandelli di lenzuola. Come le mani dell’artista, dell’uomo, del ragazzo che studiava farmacia e prestò servizio militare in un ospedale psichiatrico (c’era la guerra).
C’è l’ombra, tutte le ombre sudice dell’epoca più luminosa.





 I RAGGI X FRA ARTE E POESIA

PRIME LASTRE Gozzano e i Futuristi


Commento musicale Iannis Xenakis, Diamorphoses


I raggi X sperimentati da Röntgen nel 1895 aprono la strada e il corpo umano a nuove visioni. Recepite in negativo, come nel caso di una visita del poeta Guido Gozzano (1907): “O cuore non forse che avvisi solcarti, con grande paura,/ la casa ben chiusa ed oscura, di gelidi raggi improvvisi?/ Un fluido investe il torace, frugando il men peggio e il peggiore,/ trascorre, e senza dolore disegna su sfondo di brace/ e l’ossa e gli organi grami, al modo che un lampo nel fosco/ disegna il profilo d’un bosco, coi minimi intrichi dei rami”. In positivo (ma con le solite esagerazioni), nel Manifesto tecnico de La pittura futurista (1910): “Chi può credere ancora all’opacità dei corpi, mentre la nostra acuita e moltiplicata sensibilità ci fa intuire le oscure manifestazioni dei fenomeni medianici? Perché si deve continuare a creare senza tener conto della nostra potenza visiva che può dare risultati analoghi a quelli dei raggi X?”.
Oggi, dopo aver passato ai raggi X tutta la storia dell’arte, non per effetto di chissà quali poteri medianici, ma per il consueto progresso culturale che vede gli strumenti man mano diventare simboli, si fa anche arte coi raggi X.



RECANATI: LORENZO LOTTO E GIACOMO LEOPARDI

Lontananza di due solitudini

Parte prima

Immagina l’incontro degli occhi di Giuseppe di Arimatea con quelli del poeta.

Lorenzo Lotto, Polittico di San Domenico, Recanati, 1508, Dettaglio della Pietà con Giuseppe di Arimatea

Meno di un attimo. Due dolori che non si parlano.
Abissi di tempo, di senso. L’infinito del pittore è concreto, è quel cadavere bianco destinato a risorgere. Lo strazio di Giuseppe è solo questione di tempo: una breve concessione al dramma da parte dell’eterno.
La tragedia del poeta non prevede un dialogo con questo genere di sofferenza a tempo. Troppi colori per un letterato. Troppa fiducia nell’attesa per il filosofo del nulla, per l’uomo che ha fede solo nella memoria delle speranze tradite di un fanciullo.
Qualcuno dovrà pur asciugare le lacrime di Giuseppe. Questa la volontà del pittore.
“Illusioni! grida il filosofo” avrebbe pensato Leopardi, citando Foscolo, cercando nel pianto le uniche tracce luminose, tremanti del nostro passaggio.

 Lorenzo Lotto, Polittico di San Domenico, Recanati, 1508, la Pietà nella cimasa

LEOPARDI Come sei bella, Maddalena! Potessi baciare le mie ferite come la mano del tuo dio che non esiste.

Recanati e Loreto in un'incisione della fine del XV secolo

Lotto era finito a Recanati sulla strada per Roma, pieno di speranze. L’approdo momentaneo era una città che comprendeva anche Loreto in pieno decollo spirituale ed economico: un santuario quasi completato che aspettava solo la facciata del Bramante, un vescovo imparentato con papa Giulio II e un altro prozio del futuro poeta Torquato Tasso (parola di Monaldo Leopardi).

San Flaviano protettore di Recanati, incisione di Secondo Bianchi (notizie 1780-1820)

La Recanati del poeta era pura provincia della Restaurazione: un paese privato di Rinascimento, Loreto e anche del relativo sviluppo economico seguito alla creazione del porto franco di Ancona (1732).
Luca Traini (2008)


CURA E MALATTIA DEL GENIO


La musica di Hugo van der Goes


Hugo van der Goes, Edward Boncle in adorazione della Trinità (part.), 1480 c.a
Parlerò di come ho immaginato la musica di un pittore che amo, curato col canto da quanto agli altri parve follia.

Ho sempre sfogliato con tenerezza i colori Hugo van der Goes, perché le biografie in bianco e nero riportavano solo qualche notizia strappata al silenzio prima dei suoi accessi di malinconia feroce, curati con musicoterapia in stile biblico. Restava segnata qualche traccia del successo di un artista inquieto - dovevi investire nel tessile, fiammingo, e sei rimasto prigioniero della trama di una tela: non avevi neanche trent’anni e, nel 1468, figuravi già tra i migliori salari per le decorazioni delle nozze fra Carlo il Temerario e Margherita di York. Decano della gilda dei pittori di Gent nel 1474, confermato nell’incarico fino al 15 agosto del 1476, ma, già nell’autunno del ’75, frate converso nel convento degli agostiniani presso Bruxelles: lo studio innamorato del nudo de "Il peccato originale" diventava la slavina umana alle falde della montagna nuda de "Il compianto di Cristo". I profeti aprono lo scenario della sacra rappresentazione dell’"Adorazione dei pastori" e poi quella profusione di ori nell’"Adorazione dei Magi", figlia delle ricchezze – e dell’arte – dei mercanti fiorentini. Il priore del convento, padre Thomas, chiude un occhio ma tu sei ossessionato dall’Antico Testamento, dal Vitello d’oro cui hanno consacrato la loro vita gli agenti commerciali dei Medici, come Tommaso Portinari. E il "Trittico Portinari" è il tuo capolavoro e, contraddizione dell’Arte che pretende la consunzione, forse lo termini in convento. Ora è il momento della musica: Gilles Binchois, "Amoreux suy" per il ritratto della giovane figlia del committente, Margherita, triste bellezza bionda accanto alla madre diafana;"De plus en plus" per la santa omonima col libro e il dragone e la Maddalena, per gli unguenti che non guariranno. La natura morta di fiori – gigli rossi e aquilegia, iris bianchi e garofani che alludono a tragedia e immortalità – e il covone di frumento che è eucaristia, “Betlemme”, letteralmente “Casa del pane”, per te amaro. Eppure convitati e angeli sembrano cantare la “Missa Ecce ancilla Domini” di Dufay, diretta dal mio René Clemecic, dall’”antico” Clemencic Consort sulla quinta traccia dell’ LP e del CD, quel maestoso finale del “Kyrie”. Poi, Hugo, ci dovrà essere quell’impassibile "Ritratto di donatore con S. Giovanni Battista" o "La morte della Vergine" mentre il tuo priore dispone il coro per cercare di rasserenarti, inventando la musicoterapia. Ma il pane non può essere spezzato su una tavolozza di colori. Alle mani giunte in preghiera deve essere strappato il pennello. La stessa cosa accade a Botticelli più o meno negli stessi anni.
Tu, come scrive il tuo compagno di noviziato Gaspard Ofhuys, vinci l’autodistruzione e la condanna di Dio ed esci dalla “frenesis magna” per morire, come si dice, “sano di mente”. Forse volevi diventare anche musicista ma non ne avesti il tempo. Il genio vuole provare tutto prima che sia troppo tardi. Ed io, insano per la tua bellezza, a più di mezzo secolo, non posso fare a meno di dedicarti il Planctus o la Déploration di Ockeghem sulla morte di Binchois.

“Omnia vincit amor”.




COMBATTIMENTO D'AMORE IN SOGNO FRA MANTEGNA E GIORGIONE

Enigmi di fine secolo nella Repubblica Veneta al culmine della potenza. Economia, politica, arte: il culto della partita doppia rivendica la dimensione del sogno. Venezia inaugura il suo percorso trionfale nella realtà onirica.

Hypnerotomachia Poliphili, “Combattimento d’amore in sogno di Polifilo (Colui che ama molte cose)”. Scritto da un principe o da un frate? Composto da un umanista innamorato di Platone e Neoplatonici che non rinunciò al piacere in vista di un Amore più grande.

Genio l’editore del libro: Aldo Manuzio (Anno Domini 1499).

Genio l’artista delle 169 xilografie. Forse Andrea Mantegna. Forse un grande artista ignoto ispirato da lui. E che ispirò Giorgione.

L’incunabolo più raffinato nasce primogenito già perfetto, come Iliade o Divina Commedia della tecnologia rivoluzionaria della stampa.

Avvertenza: Polifilo cerca, crede di abbracciare in sogno, ma in realtà perde Polia (“Moltitudine”). Parabola cristallina e complessa del Rinascimento. Presagio del peccato di hybris che la Repubblica pagherà con la sconfitta di Agnadello dieci anni dopo (cantata con toni più umili ma sempre sublimi dal Ruzante nel Parlamento).

Incubo, colonna altra della partita doppia del sogno, ma nello spirito già ferito dell’Umanesimo sempre ”Cum mensurata et digesta distantia et intervallo, cum gratiosi spatii compositamente” (Capitolo VII).




Quando dall'alto ci è dato speranza,
O tu c'hai efigia d'animal resibile,
Perviensi all'uom, lasciando il corruttibile.

Filippo Brunelleschi


Fontana perpetua e mobile, sormontata da arboscello di melograno d'oro
con foglie di smeraldo, frutti di rubino e fiori di corallo: simboli di rinascita.


O donne che ascoltate,
Deh végnave pietà del mio dolore!
Queste pene spietate,
Ben me le crede chi ha provato amore,
Pregàti Dio signore
Che finisca li pianti
E torni in canti
La mia malinconia.
Metamorfosi di sette ninfe in allori alla presenza del dio Giove 


Dàtime a piena mano e rose e zigli,
Spargeti intorno a me viole e fiori;
Ciascun che meco pianse e miei dolori,
Di mia leticia meco il frutto pigli.

Matteo Maria Boiardo
Commento musicale




LA NOSTRA CIVILTA' E' UN SOGNO AD ANGOLO RETTO _ CIVILIZATION IS A RIGHT ANGLE

The Screen
We start from the earliest evidence of abstract thought and conception of geometrical shapes bySapiens Sapiens individuals: the lozenges carved on red ochre (which is also the first cosmetic, and the Sapiens is sapiens twice because he is “homo cosmeticus”) found in caves in Blombos, South Africa, and dating from 70-75,000 years ago. Without these abstract shapes we would not have all our everyday’s square-angled structures (doors, windows, pictures, screens, etc.). Similarly, without the agricultural revolution of 10,000 years ago, and the birth of cities stemmed from the invention of bricks (or of squared stones), we would not have the culture of pictures. Moving from such an early start, we get to frescoes of Pompei, and specifically to a frescoed picture portraying Terentius Neo and his wife as they hold two important tools from the crucial technological revolution that was the invention of writing: a papyrus and a wax tablet (which in Plato’s Theaetetus is compared to our memory), the mother of the blackboard, grandmother of the scratch pad (great-grandmother of the iPad) and, even more importantly, forerunner of the codex (i.e. the modern, rectangular book). And the modern book will have as its main supporters nobody else than the Christians (for that reason mocked by the rich, snobbish Pagans who only used the “volumen”). The Bible, the book par excellence in the Middle Ages, was popularized through images (“Biblia pauperum”) in large cathedrals, where the speculative thought of theologians also found its way in enormous stained glasses like those in Chartres, nothing short of a screen populated by the figurations of Divinity (even though we do not agree with Bernard of Chartres’ statement that we are “dwarves standing on the shoulders of giants”: we were, are and will always be nothing but men). We are definitely soaked with these squared structures, from which it is hard to escape. If we must try, without necessarily take off to hypothetical celestial spheres, then we should do it in an ironic, neo-ludic fashion, like in a painting by 19th century Spanish artist Pere Borell: a kid who cheats every kind of frame. However, in the 20th century, the screen obtained its secular massified consecration with television, and playing with globalization is well worth a mass: a new Flemish mass that borrows materials from rock songs and, in the arts, finds its expression and “aura” in Nam June Paik’s Videoflag. And again, now that year 2000 is ancient history, isn’t there an aura, as well, around the Magnavox/Odyssey Pong console, or maybe the Arcades, entirely immersed into a cloud made of smoke, not from incense, but from the nostalgic player’s cigarettes?
The question is still open, and the push to go beyond and maybe shatter all screens is very much alive: from the squared shapes inspired by crystals – Cueva de los Cristales // Cueva de las Manos – and the quartz crystals of tectonic plates to the touch-screen to be pointed at with Michelangelesque fingers, the road is all downhill.


Lo Schermo
Partiamo dalla prima testimonianza di pensiero astratto e di realizzazione di forme geometriche da parte dell’homo sapiens sapiens: le losanghe su ocra rossa (tra l’altro primo cosmetico e il sapiens è due volte sapiens anche perché compiutamente “homo cosmeticus”) delle grotte di Blombos, in Sudafrica, datate 70-75000 anni fa. Senza queste forme astratte non avremmo tutta le nostre realtà domestiche ad angolo retto (porte, finestre, quadri, schermi, etc.). Come, senza la rivoluzione agricola, 10000 anni fa, e la nascita delle città grazie all’invenzione del mattone (o della pietra squadrata), non avremmo avuto la cultura del quadro. Inquadrando così il nostro percorso giungiamo agli affreschi delle domus di Pompei e a un quadro affrescato che ritrae Terentius Neo e consorte che reggono in mano due importanti strumenti figli di quella fondamentale rivoluzione tecnologica che è stata la scrittura: un papiro e una tavola cerata (e Platone nel “Teeteto” paragona a questa la nostra memoria), madre della lavagna, nonna del block notes (bi-trisavola dell’iPad) e soprattutto antesignana del “codex”, (cioè del libro rettangolare moderno). E il libro moderno col suo comodo formato avrà per principali diffusori proprio i cristiani (in questo sbeffeggiati dai ricchi snob pagani cultori del “volumen” di papiro). La Bibbia, poi, Libro per eccellenza del medioevo, sarà diffusa per immagini (“Biblia pauperum”) nelle grandi cattedrali dove saranno figlie del pensiero speculativo dei teologi anche le grandi vetrate, come quelle di Chartres,  vero e proprio schermo dove passare in rassegna le figure del divino (anche se dissentiamo da Bernardo di Chartres con la sua storia che saremmo nani sulle spalle dei giganti: siamo stati, siamo e saremo sempre uomini e basta). Siamo profondamente impregnati di tutte queste realtà squadrate da cui è difficile sfuggire. Se proprio vogliamo tentare, senza dover per forza decollare  alla volta di presunte sfere celesti perfette, allora tanto vale farlo, con ironia oggi potremmo dire neoludica, come ha dipinto nell’800 il pittore spagnolo Pere Borell: un fanciullino che si fa beffe di ogni cornice. Ma lo schermo ha raggiunto nel XX secolo la sua consacrazione laica di massa con la televisione e giocare con la globalizzazione val bene una messa: una  nuova messa fiamminga che pesca dalle canzoni rock e in, in aura artistica, si configura in  Videoflag di Nam Jun Paik.  E poi, ora che il 2000 è ben superato, mancano forse di aura anche la mitica console Magnavox/Odyssey di Pong  o le Arcade immerse nella nuvola non d’incenso ma di sigarette dei giocatori d’antan?
Il discorso è aperto e la volontà di andare oltre e - perché no? - infrangere ogni schermo divisore è ancora viva (dai cristalli ispiratori di forme squadrate - Cueva de los Cristales // Cueva del las Manos - e dai quarzi propulsori della tettonica a placche al touchscreen da puntare con dita michelangiolesche la strada è tutta in discesa).




THE MEMORY OF LYSIPPOS IS CROSS MEDIA
(2011)

Anton Goubau, Artisti nel gregge mentre copiano la copia dell'"Ercole a riposo" di Lisippo, 1662

Apro il catalogo della mostra di Lisippo a Roma e delle 1500 statue che gli attribuisce Plinio il Vecchio non sembra essere rimasto nessun originale se non forse tre. Forse anche un piedistallo. Forse.
Leggi che aveva inventato una tecnica per forgiarne in serie in bronzo e guardi le copie romane in marmo sopravvissute allo scempio del tempo.
L’opera di Lisippo sono dunque soprattutto memorie riportate su papiri di cui non resta traccia, da schiavi senza nome, tramandate da pergamene che hanno avuto in sorte, specie se latine, di non essere raschiate per far posto a relitti ricomposti di altre culture in una nuova. E qui penso alle commedie di Plauto e alla loro fonte principale: il palinsesto ambrosiano. Lì stavano scritte, prima di essere raschiate e far posto – per ragioni di risparmio? Per una condanna morale? Più il risparmio che la condanna, sembrerebbe – ai Libri dei Re della Bibbia, anch’essi frutto di una scelta (quasi nessuno di questi sovrani fa bella figura anche perché i regni erano due, la storia a noi pervenuta scritta da uno solo e poi il concilio di Calcedonia mille anni dopo voleva  separare il grano dal loglio, i cosiddetti apocrifi). E le commedie, per  tornare in scena e sulla carta avevano dovuto attendere altri mille anni e un cardinale, Angelo Mai, che con una spugna imbevuta di acido gallico aveva fatto riaffiorare per un po’ l’originale. Poi  la chimica, altro segno dei tempi, aveva di nuovo reso tutto quasi illeggibile e c’era voluto l’amore d’acciaio di uno studioso prussiano, Wilhelm Studemund, perché tornassimo a ridere su quelle pagine. Ci aveva rimesso la vista. “Se non ti amassi più dei miei occhi” aveva postillato a sua volta citando Catullo. Quando lo lessi la prima volta mi tolsi gli occhiali e piansi.
Torno a cercare d’intravvedere un originale di Lisippo su una moneta romana. Cerco una statua che non c’è più passando con moto bustrofedico  dalla foto riprodotta alle righe di un testo stampato da sinistra verso destra per la gioia di De Kerckhove (“Dall’alfabeto a internet”) e mia, da un JPEG di Google Immagini a una pagina web di Wikipedia a cui non so se fare aggiunte o meno. La statua di Alessandro Magno che alza gli occhi al cielo cercando il sole è a pagina 401 e fa il paio con la mia ricerca di una presa della corrente perché ho dimenticato ricaricare il portatile. Da una serie di affreschi della leggenda di Alessandro Magno riportati alla luce nel castello di Quart (AO) ebbe origine l’idea di fare una mostra su videogiochi e beni culturali ad Aosta nel 2009.
Ma dov’è l’opera antica?
Ascolti Paolo Moreno, emerito esperto dello scultore greco, dal canale che ha in Youtube, ne leggi l’intervista nell’archivio on line del “Corriere” e speri che abbiano davvero un fondamento, un basamento anche le attribuzioni al ”Pugile delle terme”, all’”Eracle” di Chieti, all’”Atleta” pescato al largo delle mie Marche e finito al Getty Museum di Malibù.
Ma anche non fosse così, c’è una storia di tecnologia che si fa arte e da una perfezionata meccanica di calchi in gesso moltiplica le statue in bronzo col sistema della fusione indiretta, si riflette in antichi specchi di metallo nel marmo delle copie romane e trapassa, sempre più impalpabile, nelle copie di papiro decomposto, affiora dalle pergamene raschiate per farsi più evidente nelle stampe d’epoca ormai ingiallite fino al catalogo del ‘95 acquistato remainder, all’”Eros a Tespie”  della pagina “Lisippo” in inglese di Facebook.
Vorrei twittare con Posidippo il dialogo in forma di epigramma che aveva dedicato alla statua del “Kairos”, è il momento:


“Chi lo scultore e da dove veniva?”
“Veniva da Sicione”.
“E come si chiamava?”.
“Lisippo”.
“E tu chi sei?”
“Sono il Tempo che controlla ogni cosa”.
Il tempo e lo spazio di una realtà aumentata dove ogni volta lo studio scientifico dell’arte è anche il sogno di una cosa: Michelangelo che non vuole completare il torso dell’Ercole Farnese e poi elogia le gambe della statua rifatte da Guglielmo della Porta a fronte di quelle originarie appena ritrovate. In realtà copie romane come l’Apollo del Belvedere, di altro scultore, pietra angolare di Winckelmann e della storia dell’arte contemporanea.
Tutto un mondo del doppio con cui ogni volta cerchiamo di definire la nostra identità tentando di inquadrare un passato che sfugge.
Come in questo momento di fronte a questa schermata, dove il ritratto di Aristotele dovrebbe essere l’ennesima copia del padre del Virtuale, Alessandro a cavallo un videogame (“Sparta II”) e l’Apoxyomenos era forse già negli Hyper Sports della Konami.
Crossmedialità antica.




ALESSANDRO MAGNO IN VALLE D’AOSTA
IL CASTELLO DI QUART



Come uscito da un quadro di Mantegna ma concretamente piantato a guardia dell'antica "Via delle Gallie", a quattro miglia romane da Aosta, il castello di Quart domina anche l'autostrada assorto nel suo trono di montagna. Fondato intorno al 1185 dai Signori di Quart (già Signori della Porta di Sant'Orso nel capoluogo), passato di mano più volte, vissuto fino alla metà del secolo scorso, ha più la storia e l'aspetto di un corpo vivo, ricco di tutte le sue età e stratificazioni, assopito come una specie di Endimione di pietra.
Ispirato dagli articoli apparsi sul Bollettino della Soprintendenza, in un giorno di apertura straordinaria dei lavori di restauro ho la fortuna ammirare dal vivo gli affreschi del donjon ( XIII-XIV sec.)...
Stanno emergendo dalla coltre di scialbo che li ha coperti per più di mezzo millennio a calibratissimi colpi di laser - ti sembrano quasi quei piccoli schiaffi che si danno ai dormiglioni - e quanto comincia a stamparsi nei nostri occhi è una specie di puzzle delle meraviglie dove si incrociano frammenti e destini di Alessandro Magno e Sansone, eredità grecoromana e giudaicocristiana rivestite cogli abiti dell'età di mezzo per Giacomo III di Quart.
Il condottiero macedone, di leggenda in leggenda ormai diventato anche modello di vita cavalleresco, è giunto ai confini del mondo, in un'India favolosa dove ci si nutre di opobalsamo e incenso. Sta ascoltando l'oracolo degli Alberi del Sole e della Luna, carichi di teste umane secondo la tradizione orientale dell' Albero Secco: "Alessandro, invincibile in guerra, tu potrai, come hai chiesto, essere il solo signore del mondo: ma non rientrerai più vivo in patria". Poi a riflettere non è più il re, ma l'uomo: "Sentendo queste parole io rimasi sbigottito, colpito nel profondo dell'anima: fui dispiaciuto d'aver portato con me tanti uomini fin laggiù, a quegli alberi sacri".
Si tratta di brani tratti dall'incantevole ma fittizia "Lettera di Alessandro ad Aristotele", testo di grande diffusione dalla tarda antichità fino a tutto il medioevo (fra i prediletti dalla scuola filosofica di Chartres). Il sovrano descrive al maestro lo stupore e il prezzo della sua gloria terrena: la morte ancora giovane (alla fatidica età di 33 anni). E' ora di tornare indietro. E' una lezione di umiltà.
Ecco allora spuntare sulla parete accanto i resti di una rappresentazione che non sembra avere nulla a che fare con il viaggio verso l'ignoto: quella, tutta quotidiana, del Calendario. Felice contrasto, raffigurazione di grande successo all'epoca, ma quale il legame?
Il nodo di Gordio può essere reciso se facciamo riferimento a un altro bestseller di quei tempi, il poema "Roman de Alexandre" di Alexandre de Paris (XII sec.), il padre del verso principe della letteratura francese: il dodecasillabo "alessandrino". Infatti alla strofa 95 troviamo descritto l'interno della fantastica tenda del Macedone: "I dodici mesi dell'anno vi sono tutti illustrati/ Così come ognuno mostra quel che sa fare/ ... E sopra tutto è dipinto l'anno nella sua maestà". Proprio come nel più antico dei due mosaici del coro della cattedrale di Aosta (seconda metà del XII sec.), in forma di signore elegante e multicolore che regge nella destra il sole e nella sinistra la luna contornato dai medaglioni dei mesi (senza contare che anche nel mosaico più recente, inizi XIII secolo, la raffigurazione di animali fantastici insieme al Tigri e all'Eufrate potrebbe essere anch'essa retaggio di quelle fantastiche avventure).
Tutto sembra proprio tornare. Come il ciclo invincibile del tempo, a cui anche i grandi devono sottostare. Ritorno all'ordine, ruota che gira implacabile, ma anche vita che torna a sbocciare ogni primavera, naturalmente simbolo di rinascita spirituale.
Ecco perché quindi anche Sansone, anch'esso già presente in Valle in un altro splendido mosaico del XII secolo, quello  della chiesa aostana di Sant'Orso (guarda caso), mentre spalanca le fauci al leone cerchiato dall'enigmatica scritta palindroma "Sator arepo tenet opera rotas". Ma cosa c'entra col resto questa lotta uomo/animale, quest'altra impresa del giudice veterotestamentario rivisto e affrescato per un nobile cattolico? C'entrano la nascita dell'eroe (per volontà divina da una madre sterile) e la fine apparente della povera fiera, che, al contrario del suo simile greco di Nemea, una volta morta, narra il testo biblico dalla sua carcassa prendesse vita uno sciame di api con tanto di miele. Quelle api, simbolo di castità e di vita che procede dalla morte fin dalle "Georgiche" di Virgilio e dai "Fasti" di Ovidio ("una sola anima uccisa ne generò mille"). Si tratta della famosa (e famigerata) "generazione spontanea", teorizzata proprio da Aristotele, contro cui la scienza moderna dovette combattere più di due secoli prima che gli esperimenti di Pasteur ne avessero la meglio. Ma restando negli orizzonti dell'arte medievale i conti - e soprattutto le simbologie - tornano (anche se dovesse comparire, come sembra, una Dalila che fa recidere le sette trecce all'eroe addormentato): la gloria dovrà tenere conto dell'umiltà per aspirare alla vera rigenerazione, quella spirituale.
La mente spicca l’ultimo volo passando dalle Alpi al Caucaso, facendo riaffiorare alla memoria i versi che il poeta azero di lingua persiana Nezami (1141-1209) fa dire ad Alessandro morente: "Da questa terrena fortezza m'ha per sempre liberato il cielo,/ e possano tutti infine esserne come me liberati".

Siamo usciti. Lungo le mura cerco di scorgere a oriente la necropoli neolitica di Vollein, poi fisso il Monte Emilius che ci sovrasta a fronte e plano fino a comprendere il lato occidentale con le gigantesche Acciaierie Cogne.
Il nostro viaggio si conclude nel candore estremo di una cappella barocca fresca di restauro, ormai tutta oggetto da museo. Fuori, nel parco, tra un acero e un faggio centenari immagino i contadini che hanno abitato per l’ultima volta il castello, rivedo gli interruttori di ceramica nel primo corpo di fabbrica.
A loro sono dedicati i miei versi di congedo.


GLI INTERRUTTORI DEL CASTELLO DI QUART

A tutti i contadini che hanno abitato castelli

Cos'è un castello quando ci vivi e il tuo presente non è fatto di memoria ma lavoro e la sera sei stanco e accendi la luce, non le torce dei servi ma l'interruttore dell'uomo libero, quella specie di uovo bianco di porcellana poi plastica per cui tanti hanno dato la vita?

E tu, piccolo uovo di Piero in un castello del Mantegna, illuminavi le mura ridipinte, gli infissi di porte e finestre nuovi a confronto di bifore trifore per gente in armatura.

Tu brandisci solo un forcone, della pietra non hai il male ma il sonno, spenta quella preziosa lampadina, non sogni il passato ma un futuro migliore.

Io passo oltre le prime mura e mi stanno sotto i piedi.
Per cunicoli ben restaurati sono nelle tue stanze, che si attraversa distratti dall'antico.
Anch'io vado a vedere il donjon perché c'è dipinto Alessandro Magno che parla con l'Albero del Sole.

P.S. La visione di questo vero e proprio wargame del medioevo, nel 2008, con la sua arte popolare continuamente arricchita di nuovi dettagli e reinterpretata da letture a diversi livelli, avrebbe ispirato anche il mio successivo approccio alla nuova estetica del videogame e quindi le mostre che avrebbero portato NEOLUDICA alla Biennale di Venezia: il futuro ha radici antiche.




IL VIDEOGAME COME ALTERNATIVA ALL'EFFIMERO
DEATH OF THE POSTMODERNISM: NEW LIFE FOR THE VIDEO GAME!
(2012)
Il postmoderno è morto, finalmente, e il gioco si è fatto grande: è diventato videogioco.
Ci sta osservando e pretende da noi interazione, nuove domande, nuove risposte: non accetta il game over della storia predicato negli ultimi decenni.
C’è tutta una Realtà Aumentata, non solo in termine tecnico, che lo ha investito, ci ha investito e pretende un approccio diverso dal mero consumo, che non basta più.
C’è fame di nuovi livelli interpretativi a fronte di una formidabile emersione di forme e contenuti in un così breve spazio di tempo, perché bisogni e aspettative in numero enorme si sono accumulati al di qua e al di là dei novanta gradi dello schermo.
Immagini e prospettive sono arrivate ad evocare visioni originali a 360° di quanto ci sta intorno rimettendo in discussione concetti come “realtà”, “essere umano”, “natura”. E questo è quanto chiamiamo “arte”.
E’ tornato il tempo e la voglia di togliersi i paraocchi e guardare a testa alta indietro e avanti: oltre l’effimero.
Costruire connessioni, rivelare la ricchezza di forme e contenuti e riconnettere la trama del presente al cammino della storia per avere prospettive fondate e originali per il futuro, senza pretese di verità immediate, ma coscienti che quanto definiamo “finzione” è parte sostanziale dell’ homo cosmeticus, cioè del Sapiens Sapiens, che dà vita a nuovi mondi e reinterpreta continuamente il concetto di “natura”.
L’assemblaggio di elementi effimero e atomizzato della vulgata postmoderna sta crollando sotto il peso della sua inconsistenza e, ironia della storia, proprio da un oggetto di largo consumo consapevole della sua finzione come il videogioco – Alice è uscita dallo specchio – scaturiscono nuove proposte di indagine a tutto campo sulla realtà. Si tratta infatti di un medium che, diversamente dai precedenti, non nasce da una pretesa di verità o di oggettività e, proprio per questo, è già maturo per farsi troppe illusioni. Il suo meccanismo di base è l’interazione, è dinamico, è già un passo in avanti per diventare, qualitativamente, interpretazione.
Il giocatore nei confronti del videogame è quasi come un artista davanti a un’opera: non si accontenta di un godimento passivo, ma cerca continuamente di intervenire nella mutazione di quanto ha di fronte.
Ogni interazione, un’interpretazione, una messa in gioco: questa è la scommessa per il futuro. Abbiamo davanti ancora un quadro e dobbiamo porci alla giusta distanza di una prospettiva brunelleschiana e di una kinect per scardinare l’autoreferenzialità dell’arte contemporanea e dei compartimenti stagnanti della società.
Distruggere la gabbia in cui sono stati confinati i capolavori del passato – nella mentalità dominante e rassegnata l’antico non è mai stato vecchio quanto oggi – non potrà che avere ricadute positive ridando energia vitale al dialogo serrato e da vero simposio tra diverse epoche e culture, fra arte e tecnologia, simbiosi inscindibile: abbiamo trovato un nuovo punto d’incontro.
La densità storico-critica di NEOLUDICA intende per questo porsi all’avanguardia per un lungo lavoro di scavo e di festa (è tremendo non trovare in italiano un termine gioioso che non implichi imbecillità o peccato ma ci proviamo), un lavoro che vada oltre il diffuso senso di confusione alla ricerca di originalità e autenticità anche per ciò che ancora infelicemente definiamo “virtuale”.
Nulla è più serio di questa messa in gioco.

Delete©, Extreme Pong (Nothing vs Perfection), 2012
Commento musicale: Heinrich Ignaz Franz von Biber, Battalia a 10 in D major

 QUANDO IL GREGGE E' ARTE _ WHEN THE HERD IS ART
Arcadia & Arcade Art from "Baaa Studs", Extreme Shepherding




ZURBARÁN A FERRARA, QUEVEDO IN SOGNO

Da un lato era giovane e dall’altro era vecchia.
A volte camminava piano, a volte velocemente.
Ora sembrava esser lontana, ora essere vicina.
Le chiesi chi fosse e lei mi rispose: “La morte”.

Francisco De Quevedo, Sogni e Discorsi


Commento musicale I Girolamo Frescobaldi, Toccata VIII, Libro I, clavicembalo


Francisco de Zurbarán, Natura morta, 1630

Francisco de Zurbarán e Ferrara non hanno in comune quasi nulla se non una data.
Il 1598, quando nasce il pittore e la città e la Spagna perdono la loro grandezza: la prima finendo assorbita dallo Stato Pontifico, la seconda con la morte di Filippo II e tre bancarotte.
Non molto. Certo, fare la stessa esposizione a Hong Kong sarebbe stato ancora più surreale (meno a Macao, Casinò Venetian permettendo), ma le mostre, si sa, non contano tanto per i singoli quadri quanto per l’insieme delle opere in simbiosi con tutto l’apparato multi e cross mediale che fa da cornice.
Sono, in sintesi (anche chimica), delle installazioni, arte contemporanea. Quindi vanno bene dappertutto.

Questo non significa che il restauro delle singole opere non debba essere condotto col massimo rigore filologico, né che allestimento e catalogo non debbano cercare di ridare vita a una dimensione storica, tutt’altro. Ma essere coscienti, sempre, che la complessità di tutto questo travaglio corrisponde alle aspettative consce o meno di restauratori e allestitori in carne e ossa, che lavorano confrontandosi con una tradizione di fedeltà all’originale che data sì e no due secoli, quando prima, tranne rare eccezioni, neppure ci si poneva il problema.

Insomma, non c’è niente di male: il rapporto col passato non può che essere straniante. Dopotutto state leggendo un blog impalpabile e vedrete dei file Jpg.
Inoltre fare oggi una mostra di Zurbarán in un convento, luogo di elezione dell’artista, non ricreerebbe che in minima parte la fatidica “aura” delle origini – e nemmeno la sua puzza e il fanatismo che solo una grande arte riuscì a sublimare.
Un’arte ufficiale, benedetta da Stato&Chiesa, ma sentita fino al midollo. Noi oggi per questo siamo disposti a perdonare Damien Hirst, figuriamo quindi Francisco e i suoi francescani.

Francisco de Zurbarán, San Francesco (1639, 1645, 1635)

Incenso consigliato: i versi di Giovanni della Croce.

O fiamma d'amor viva,
Che sì dolce ferisci
Nel centro dell'alma, ove s'interna e cela!
Or che non sei più schiva,
E che lo vuoi, finisci:5
Rompi del dolce incontro omai la tela!

Profumo: la prosa di Teresa d’Avila.

Se i rapimenti mi fanno uscire di me per la gioia, la mia anima viene colta da sospensione anche per un dolore molto forte e rimango priva di sensi. (Libro delle relazioni e delle grazie, 15).


Anche visitare le uniche tele rimaste in loco, al Monastero di Nostra Signora di Guadalupe, senza la percezione di spazio e tempo tipiche dell’età barocca è illudersi, una splendida illusione, una “dissimulazione onesta”, ma pur sempre una finzione, come chi ripete a piedi il cammino di Santiago senza feudatari, Inquisizione, epidemie, denti cariati.


Francisco de Zurbarán, Visione di San Pietro Nolasco, 1629

¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra, una ficción,
y el mayor bien es pequeño;
que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son.

Pedro Calderón de la Barca, La vida es sueño


Dicevamo, la mostra a Ferrara… Beh, è una bella cartina al tornasole per mostrare le tenebrae del pittore spagnolo, esaltate dal chiarore del  capoluogo emiliano. Perché il Secolo d’Oro della cultura spagnola fu anche il secolo della sua ombra, la grande ombra politica che sarebbe scesa sulla penisola iberica. Capolavori proiettati come splendidi fuochi d’artificio dalle sconfitte dei suoi eserciti, strappati al “magazzino in cui si custodisce il buio delle notti” (ancora Quevedo, ancora Sogno della morte).


Commento musicale II Tomás Luis da Victoria, Tenebrae factae sunt


Si può citare come madre l’arte di Caravaggio, che arrestato proprio dagli spagnoli perse l’ultima fatidica nave per Roma, e padre il Rinascimento italiano riflesso nelle opere degli artisti della corte multietnica di Carlo V, ma tanta originalità sarebbe stata impossibile senza lo strano connubio fra il nazionalismo castigliano nascente e la rivoluzione estetica di un pittore straniero come El Greco.
Eccolo, “Il sogno di Filippo II”.

Dominikos Theotokopoulos El Greco, Il sogno di Filippo II, 1600

E il doppio del sogno di Filippo II, la morte dell’artista cantata da Góngora:

Tanta urna, a pesar de su dureza,                 Un'urna così insigne, benché dura,
lágrimas beba y cuantos suda olores            lacrime beva e quanti essuda odori
corteza funeral de árbol sabeo.                     funebre scorza d'albero sabeo.

Il sogno che si sarebbe trasformato nell’incubo della restaurazione aristocratica seguita alla morte del re, nonostante i tentativi del Conte-Duca d’Olivares, potente primo ministro di Filippo IV (quello del Manzoni dei Promessi sposi anche se, per l’arte del Secolo d’Oro, sarebbero più adatti certi passaggi degli Inni sacri).
Ecco allora che forme e contenuti del Barocco spagnolo vengono a configurarsi come un grande esorcismo contro la decadenza.
Dalla vena popolare sanguinante di Jusepe de Ribera nella Napoli dei vicerè

Jusepe de Ribera, Il bevitore, 1637

al perfetto e futuribile ritratto in piena luce di un’epoca nelle tele di Velázquez, il Raffaello spagnolo,

Diego Velázquez, Ritratto del Conte Duca di Olivares a cavallo, 1634

all’Agnello di Dio pronto per essere macellato: “Padre, se vuoi, allontana da me questo calice”.

Francisco de Zurbarán, Agnus Dei, 1640

Fra i primi capolavori del Nostro c’è lo splendido, prostrato San Serapio, un santo medievale inglese, certo scelto per propagandare la solidarietà con i cattolici anglosassoni emarginati ma quanto mai vivo nella sua trasumanata sofferenza, preludio a uno di quei martìri atroci (gli furono strappati gli intestini con un argano) di cui si nutriva tanto teatro barocco (pensiamo solo alla Tragedia spagnola di Thomas Kyd, al Tito Andronico di Shakespeare o all’Aristodemo del nostro Carlo de’ Dottori).
Ma Zurbaran allude, non indulge mai in dettagli truculenti. La sua è una religiosità visionaria ma sommessa. La luce si sprigiona dalla visione aperta nella tela come una piaga. Che non sanguina più.
E’ il gioco divino che illumina due parallele che si incontrano nel San Pietro Crocifisso appare a San Pietro Nolasco.

Francisco de Zurbarán, Apparizione dell'apostolo San Pietro a San Pietro Nolasco, 1629

Poi, negli anni ’30, il mistico sembra trasformarsi in creatore di moda. E’ l’epoca di un mirabile defilé di sante a cui si è certamente ispirato Almodovar nel suo Entre Tinieblas. Eccovi quindi una scelta di tre sacre Grazie dall’inquietante bellezza impassibile con tanto di strumenti del loro martirio e una vezzosa borsetta. Quella di Santa Margherita sembra appena uscita da una bottega del commercio equo e solidale. E non a caso: l’America Latina fu una meta privilegiata per la produzione in serie della bottega del pittore.

Francisco de Zurbarán, Santa Casilda (1635), Santa Margherita (1634), Santa Marina (1650)

In parallelo a questa metafisica trasfigurata in corpi sognanti si apre la stagione delle “nature morte”. Il termine italiano, naturalmente, non rende giustizia a questa vera e propria arte da mangiare. Anzi, da transunstanziare.

Francisco de Zurbarán, Natura morta, 1633

E l’elenco sarebbe ancora lungo.

Ma non servì al genio. Che morì povero e dimenticato in un lontano 1664. Nel crepuscolo del regno di Filippo IV. Prima della lunga notte triste dell’infelice Carlo II.


Alla Vergine sfugge una lacrima.

Francisco de Zurbarán, Cristo e la Vergine a Nazaret, 1640




IL BISTURI E L'ARCHITETTO

(1995)

 [...]


Una casa, due donne per Frank Lloyd Wright
(Frank Lloyd Wright between Petrarch and Anne Bradstreet)


Riprese del Bear Run prima della costruzione della “Casa sulla cascata”  di Wright. Commento musicale: Charles Ives, "The Unanswered Question"

  
Voce di Wright - (Come un respiro di vento tra le fronde)
Kaufmann
Un vero signore
Amico di Roosevelt e del Welfare State
Mi farà costruire la sua casa sulla roccia

Cadrà la pioggia
Strariperanno i fiumi
Soffieranno i venti
Ma essa non cadrà
Perché avrà messo radici nella pietra

La Casa già costruita vista dal di fuori.

E’ vero
Occorre una certa manutenzione
C’è una bella umidità
Non è proprio l’ideale per chi soffre di reumatismi

Immagini del torrente.

Laura - (Soavemente, sempre ad occhi chiusi, sdraiata, recita Petrarca)
“Chiare, fresche e dolci acque”

Anne Bradstreet (aprendo improvvisamente gli occhi)
“Thou hast a house on high erect
Fram'd by that mighty Architect,
With glory richly furnished
Stands permanent, though this be fled”

"Sta in alto una casa eretta per te,
Costruita da quel possente architetto,
Adorna di gloria sontuosa
E che resiste al tempo: a questa fuggi".

Immagini delle dighe della Tennessee Valley Authority.


[...]


Le Corbusier, Cappella di Notre-Dame-Du-Haut: resurrezione e ferite

Noi costruiamo per sbattere la testa
Non facciamo che aprire squarci
Da queste ferite il mondo non è più lo stesso

Kyrie
Pietà
Rondanini
Corrosa dalle radiazioni
Il terzo braccio di Cristo, quello strappato
Torre di Notre-Dame-Du-Haut
“Sentinella, a che punto è la notte?”
“Sentinella, a che punto è la notte?”
“E’ venuto il mattino ed è notte”
Il volto di Notre-Dame-Du-Haut:
Ritratto di Voltaire colpito da radiazioni
Il tetto:
Il tricorno di Voltaire
Il naso di calcestruzzo, deformato, confitto nel cranio, che affonda nella terra
Le narici cubiste a pelo d’erba, devastate
L’arca di Noè
Che non riuscì a salpare da Nagasaki

Gloria
In excelsis
Alla parte più alta di cielo non raggiunta dal fungo
Amanita Muscaria
Amanita Muscaria
Frank Lloyd Wright,
Interno Uffici Johnson Wax a Racine: esile fungaia
Hiroshima: fungo atomico

Notre-Dame-Du-Haut: ventre squarciato
Rembrandt, “Lezione di anatomia del dr. Joan Dayman”, in preda al panico
Estrazione del cervello dal cranio di Modulor
Pulizia della cassa toracica di Modulor: tenebrae

Notre-Dame-Du-Haut: panche, altare, selva tagliente, singhiozzi di luce
Colpi di bisturi sul muro, nel muro, ovunque

Et lux fracta est
    E la luce fu frantumata. 

Foto di Sanyam Bahga

 [...]





I TRONI DI LILLIPUT
 In occasione di una mostra di modellini di “Sedie d’autore” alla Triennale di Milano
(1996)

 [...]

Sedia Mackintosh (1903)

 A biblical relax

Charles Rennie Mackintosh, Sedia, 1903

Mackintosh col suo schienale a scala creò un relax biblico.
Un nuovo patriarca, un nuovo Giacobbe vi si sarebbe appisolato dopo una lunga giornata d’affari, il bureau sazio di babeli di carta.
Sognando un nuovo paradiso, un nuovo saliscendi di angeli: il vaudville, i grandi magazzini.
L’opera è del 1903 ed è tutta ottimismo: la sedia dei papà del nuovo secolo.
E’ ancora di legno. Ma punta verso l’alto, è come tesa verso altri materiali: l’inizio 
di una, di molte metamorfosi.

[...]

Mies van der Rohe, Le Corbusier

Sedie per guardare in alto

La struttura in metallo della Poltrona Barcellona ricorda i sostegni degli astrolabi, dei mappamondi rinascimentali.
Sopra: piccole, comode dune in pelle.
In questo accogliente deserto sprofonderebbe volentieri un profeta, perché lo sguardo è sempre obbligato verso l’alto.
Lo scheletro portante è quello dei futuri grattacieli.
Mies van der Rohe e Philip Johnson evocano il Dio dei Dettagli nella piazza del Seagram Building.

Musica: Paul Hindemith, Langsames stück und Rondo für Trautonium

Le Corbusier con la Chaise longue invece offre un dolce quasi asimmetrico relax a Modulor, quando si stanca di essere la misura di ogni cosa.
Come gli antichi dei tutti umani abbandonavano la notte le architravi dei templi - di cui erano il metro - rifugiandosi nei penetrali, nelle celle, così, alla luce del giorno, delle finestre luminose di Villa Savoye, Modulor si lascia dolcemente irrigare dal sonno, dimentico per attimi, eterni, dello sforzo immane dei pilotis.


Prova a sederti nell'Autunno Caldo _ Cul de Sac


Il Sacco di Gatti-Paolini-Teodoro non è solo la trappola infernale di Fracchia, ma una specie di Monte Sinai del “miracolo economico”.

Mosè ne è appena uscito ed è stato travolto da un'ondata di scioperi.
E' l'Autunno Caldo e questa massa informe sembra sgonfiarsi sotto i primi colpi dell'imminente crisi energetica.
ARCHITETTURA E POESIA NELLA SVIZZERA ITALIANA



Mario Botta/Giorgio Orelli
Mario Botta Chiesa di Santa Maria degli Angeli, Monte Tamaro - Giorgio Orelli, Maria che nel suo dolce stile



 Luigi Snozzi, Livio Vacchini/Antonio Rossi
Luigi Snozzi, Livio Vacchini, Casa Snider, Verscio - Antonio Rossi, Deliberazione


Aurelio Galfetti/Fabio Muggiasca
Aurelio Galfetti, Torre degli ascensori, Castelgrande, Bellinzona - Fabio Muggiasca, Orientatio





IL CASTELLO DI GRESSAN (2012)
Du coeur ardent, en quoi que ce soit,

Christine de Pizan


Calibrando il passo del Vangelo e la vista delle nevi eterne con la fame tutta terrena di potere i signori de La Tour de Villa costruirono sulla roccia una torre a guardia dell’antica Via delle Gallie. Pietra su pietra cercarono di avvicinarsi al cielo nel microcosmo ameno di Gressan, dove i secoli avevano coltivato un villaggio nei campi di un proprietario romano, Graziano o Gracco.
Forse il modello fu la Torre de La Plantà, verso il confine di Jovençan, se confermata la matrice con le torri di Augusta Praetoria – e i La Tour nel 1200 erano proprio vicedomini di Aosta.
E Anselmo d’Aosta era forse originario di Gressan: una casa-forte del X secolo nella frazione di La Bagne è conosciuta col nome di Torre di Sant’Anselmo. “Precibus et operibus”, il motto dei costruttori del castello, c’è chi dice fosse opera sua. E “con preghiere e opere” – e soprattutto corvées – irrigando il tutto con sudore contadino, XII o XIII secolo che fosse, si cominciò a solleticare sempre più da vicino il paradiso. La porta della torre piccola e stretta come quella della salvezza, a più di sette metri di altezza, il corpo dell’intero edificio diviso in tre parti con una piattaforma di piombo come tetto: il belvedere che sta in cima come una dura conquista dopo tanti peccati di superbia.
“Sentinella, a che punto è la notte?
E’ venuto il giorno ed è notte”
Quanto  durò al cospetto di quell’eternità così bramata la saga dei La Tour?
Più o meno cinque secoli, fino al 1693, quando Grat Philibert morì e si ricongiunse alla malta dei padri. Nel frattempo, nello splendido ‘400 valdostano, era stata portata a compimento alle spalle della torre la nuova parte abitata, quinte di teatro degne di uno Scamozzi. Le mura, un tempo agguerrite e minacciose, si misero il cuore in pace, giocarono a backgammon e si ubriacarono come le guardie del castello di Issogne, fino a crollare in un sonno profondo, franando in buona parte su se stesse: tutta buona pietra per recintare vigne o simili.

Passato di mano in mano come un ingombro - nel 1800 ci passano accanto i turisti inglesi tutti vogliosi di pittoresco (il grande Turner però gli preferisce le rovine più anglosassoni di Châtel-Argent) -, il nostro monumento, per quanto ancora in piedi, diventa Tour des Pauvres, proprietà della Cassa dei Poveri della parrocchia di Saint Laurent ad Aosta. Tanta era stata l’ascesa quanto la caduta, ma se l’ascesi spirituale ha un senso, non stupisce certo la sua rinascita ad opera di un monsignore, Auguste Duc, monsignore e storico, che lo restaurò e ne fece la propria residenza estiva. Dopotutto sul suo stemma non c’era scritto “Duc in altum”, “Conduci in alto”? Però le mura che guardavano a nord e a occidente non le ricostruì. Forse in ossequio a Giosuè e all’evidenza della fragilità umana. Forse perché ancora intriso di estetica romantica, perché è così sublime perdersi nella natura dagli squarci. Cosa risuonava in alto, nella testa di monsignor Duc? La “Sinfonia fantastica” o “I Troiani” di Berlioz? Bisogna passare ancora per tanti Adagi per giungere a un Allegro finale, a oggi.
La contemplazione delle rovine prelude al restauro. La presa di coscienza del passato è un prendere per mano chi ci ha preceduto e ha voluto costruire oltre il tempo, stringere quella mano sporca di polvere e colore e piena di calli come sanno essere le mani degli artisti. Come fece Ernesto Chanu parlando di quel gioiello strano che è la chiesa della Madeleine, laggiù: la Maddalena che chiese sostegno ai suoi peccati di statica a un contrafforte tanto possente quanto di grazia circolare, come le sfere celesti.

Termino leggendo da una fotocopia di un suo articolo che mi hanno dato lo storico Marco Gal e le radici del salice che ha nel giardino. Loro sanno bene quanto sia fertile quanto sta sotto la patina del tempo: “ Nessun nesso apparente sussiste fra la chiesa e il non lontano castello, eppure lo sguardo di chi osserva non può evitare di correre dall’uno all’altro edificio, di collegarne nel pensiero l’esistenza, in quanto, nel giallastro colore del tufo, nelle ardesie nere vellutate di muschio, nelle sobrie forme quadrate, sente che entrambe le opere sono frutto di una medesima epoca, sintesi pietrificate di quelle che dovettero essere qui le massime religiose e sociali della vita medievale”.




TRANSUMANZE ARCANGIOLESCHE

Leoni e altre metamorfosi feline nelle tavole di Samuele Arcangioli
(2004)

E' un dato di fatto che Samuele Arcangioli porti al pascolo i suoi leoni pur essendo di temperamento un tenero agnello, realizzando in questo modo il detto biblico che vuole questi due esseri dotati di anima, perché "animale" questo vuol dire, felicemente insieme nel giorno definitivo.
Così come Abramo da Ur dei Caldei a Varese, da Viale Valganna guida con passo felpato le anime feline verso il Cavedio attraverso un percorso di luoghi simbolici.
In principio è la pizzeria Capri dove i re assiri, persa ogni bellicosità, fanno solo uso di forchetta e coltello per una pizza ai pomodorini, sfere passate poi in occidente a condire l'essere di Parmenide, perfette come il volto delle pantere che non cacciano più ma si affidano a Samuele, perché è sensibile, è un artista, ha un nome ebraico e ora c'è pace, finalmente è sceso il sipario su millenni di guerre e la tela è pronta per essere dipinta con nuovi colori. E allora anche Tiberio, il padrone romano della Capri, non porterà più i suoi leoni alla macelleria dei giochi del circo ma li affiderà ad Arcangioli, perché ha un cognome soave che rappresenta il meglio della nuova religione dell'impero.
Sem ringrazia e sulla sua arcamobile carica tutta questa animalità sognante.
Fino alla tappa successiva: i giardinetti di Viale dei Mille. E lì, mentre bestie e pensieri pascolano, al pittore torna in mente il "1000 e non più 1000" dell'Apocalisse e il trono di Dio, davanti al quale sta il primo vivente, che ha proprio forma di leone. E quindi le incisioni di Durer e il conseguente Rinascimento dello spirito nella forma della felicità carnale che oggi ben conosciamo,sperimentiamo e sperimenta lo stesso Arcangioli ben contento di essere corpo che soddisfa i sensi.
Ma anche l'intelletto, perché proprio lì accanto c'è un'edicola di giornali e Sammy ha sempre fame d'ispirazione,per questo ricorda un'enciclopedia dell'arte fatta a dispense. Soprattutto i numeri di Antonello da Messina. E allora è tutto un cataclisma interiore con al culmine San Girolamo, primo traduttore di tutta la Toràh, mentre con l'occhio già pensa allo spino che dovrà togliere - eh, sennò fa infezione! - dalla zampa del leone. E c'è pure un pavone con 1000 occhi sulla coda alla base di quel posto così concreto che mille prospettive fanno veramente assurdo.
Ma, o Sa', non è forse così la realtà, la vita quando ci sei così immerso che i riflessi ti accecano? Tu non sei l'automobilista che passa per Via Masolino da Panicale e per lui è solo un attimo, un flash da buttare, un miraggio quando non si ha sete - e tu la sete ce l'hai, eccome: quanto beviamo insieme il liquidodel frutto caro a tante diversità del Sacro! - tu che hai provato e senti sempre dentro l'arsura dell'Africa, il centro dell'Africa, Centroafrica, così fertile, così madre di noi tutti che dovremmo essere davvero Sapiens Sapiens e sentire con tutto il sapore, come quando si lisciano i felini - ed è bello, si dovrebbero leccare le tue tavole dove la nostra animalità, l'anima vera si perde negli occhi delle tue fiere così belle.
Perché, Arcangioli, la bellezza dovrebbe apparire come un fantasma nella savana dei giorni? Perché mi sono perso nella sterpaglia? Perchè dovrei temere che la bellezza appaia all'improvviso e mi divori, mi trascini nel suo gorgo come quel tuo quadro appena all'ingresso sulla destra del nostro centro culturale? Già, perché? Ma io mi lascio dilaniare con piacere dalle tue metamorfosi! Tu, o donna o chi sei, che emergi dall'oro di Simone Martini, hai la forza di Artemisia, il desiderio di Egon Schiele, tu gatta, tu notte, tu artiglio che ha la stessa radice di arte, fammi a pezzi, io sono pronto, straziami!

Semaforo che porta a Viale Belforte, rosso, il sangue del leone di Nemea ucciso da Eracle, Ercole, bello e forte: tu e il tuo gregge ora mansueto non andrete certo là, ma devierete (l'arte é anche devianza, lo sappiamo bene) verso Via Arconati, perché -lo dice Holderlin - siamo nati per tenderci allo spasimo come un arco, attenti solo a non spezzarci troppo presto per scagliare le nostre idee-colori come un arcobaleno - e da lì in Via Dandolo, la chiesa Immacolata del viale degli innamorati, anche di quelli laici come noi, che tutto possiamo dirci fuorché immacolati poiché serenamenteinquietamente imbrattati di colori, tutti - e io in Via Dandolo convivevo con passione - fino a quel tribunale, che non ti giudicherà, non ci giudicherà in quanto puri nella nostra follia - l'arte è nemica del male, non è vero, fratello mio? - e quindi al Cavedio, nella via dei cavalli di fatica fatti repubblicani veri, Via Cavallotti, cittadini di una Rivoluzione che ha bisogno di saggi, di artisti che cerchino sempre oltre l'orizzonte il disegno di occhi ridenti e fuggitivi.

Così sia, amico mio.
E ci sono parole di quattrosecoli fa - ma è oggi! - a te dedicate dalla dolce Francia.
Jean Desponde:
"Quei leoni ruggenti senza rabbia li vidi:


O uomo, vivi, vivi! Eppure morir si deve".




MACCHINE DA CUCIRE due punti SCRIVERE
La Collezione Gessi
(2007)


Vedo sempre davanti a me tipi curiosi e originali.
Sono sempre stato affascinato dalla  varietà delle individualità umane...
E' questa diversità che mi interessa.

ISAAC B. SINGER (PREMIO NOBEL 1978)




Quell'enorme contenitore di plastica verde scuro io lo ricordo da sempre, grande quanto due scatole di pandoro cucite una all'altra.
Se ne stava lì, dietro il tendone del ripostiglio, dove a Natale si montava il presepe, potevi sedertici sopra e restare comodamente nascosto fin quando la nonna o la mamma non lo avrebbero sollevato per trasportarlo solennemente in cucina come l'arca della santa alleanza. Gli stessi gesti e movimenti che in seguito avrei avuto l'incarico di fare io, il figlio, il nipote maggiore: il gran sacerdote dello strappo e della toppa che alza quella specie di paracarro sul tavolo, solleva altre quattro chiusure, il coperchio...
Ecco, ora la macchina da cucire celeste e acciaio sembra un ponte su un fiume di stoffa: un rocchetto di filo l'ha appena attraversato.
La pedaliera a prima vista pare un corpo estraneo, ma non è così, anzi, ricorda una flebo che dà energia dal basso verso l'alto, vicino alla sedia, nel letto del fiume.

Una musica che è sempre un crescendo, poi d'improvviso, umilmente, si blocca. Quante volte sei stato trafitto? Non riesci a tenere il conto. Ma neanche San Sebastiano è stato infilzato da tante frecce! Mi tornano in mente tutti i punti di sutura di Vito Antuofermo, pugile, quando riuscì a pareggiare il mondiale con Marvin Hagler.
Immaginarsi l'indice che finisce lì sotto, l'ago che non si ferma come per una vaccinazione. Per questo io lo avvicino e lo batto se immobile con un ditale che sembra d'oro ma non lo è. Perché è normale, è una magia quotidiana la macchina da cucire, il punto qui ha una dimensione precisa, come il piano, che è un tavolo, l'energia che passa per il filo della corrente, la spina e la presa - e anche lì non devi mettere il dito.
E' dura da sfasciare la "Weiber", ha superato indenne la seconda guerra mondiale, non è la radio né tantomeno l'orologio, ti devi fidare della mamma, delle istruzioni. Così l'abito e la vita sociale li conquisterai in un minore lasso di tempo (anche se Penelope ha i minuti contati, i Proci suoneranno al citofono).

Ancora oggi quando vado a trovare mia madre, sono io che porto in tavola questa specie di reliquiario. Si tratta di un culto domestico i cui santi hanno nome e cognome: Bartolomeo Thimonnier (quando si dice il cognome), Gualtiero Hunt, Elia Howe, Isacco Singer (che nomi! che nomi!). 
Dalla lettera di Bartolomeo Thimonnier al giornale di Villefranche, 1845: "Al di sopra della questione industriale vi è una questione sociale che deve essere risolta prima che possa essere permesso a un qualunque inventore di carpire il misero guadagno delle operaie... Invece di prescrivere le innovazioni destinate ad accrescere il benessere di tutti, invochiamo a gran voce la riforma nell'educazione della donna!".
Purtroppo non sarebbero mancati - e non mancano - le martiri ( e i martiri) anche alla macchina da cucire, ma Thimonnier faceva spola tra ottimismo della ragione e cuore del problema: quindici ore di lavoro al giorno per una miseria e magari anche una morte non lenta, come per la ragazza che aveva cucito a mano giorni e notti di fila per una festa imperdibile a Buckingham Palace o giù di lì.

"Cucire, cucire, cucire,
Da un'ora grigia all'altra;
Cucire, cucire, cucire,
Come il prigioniero lavora
Per scontare i suoi delitti!"
cantava il poeta inglese Thomas Hood -e dopo 150 anni è ancora purtoppo in hit parade da troppe parti -
"O uomini, che avete sorelle amate,
O uomini, che avete madri e mogli,
Non è più una tela che vestite
Portando una camicia, ma un brandello
Di vita di creature umane!".

E perdipiù se inventavi una macchina, toglievi anche lavoro, anche quello. E allora anche l'inventore e/o l'imprenditore rischiava il lastrico, vedi Hunt, vedi Howe, o ci finiva davvero sulla strada, come Thimonnier, a far danzare le marionette per raccattare qualcosa (e i passanti con le bocche cucite).
Finché un altro artista, un altro tecnico (perché in greco arte si dice così "téchne"), mezzo tedesco mezzo americano, via di casa a 12 anni perché si chiamava Isacco, tornitore, attore, cantante, il cui cognome iniziava per "S" come Shakespeare, a. d. 1850, non inventò una macchina, forse la macchina da cucire per eccellenza, che ancora scolpisce le sue lettere come un pentagramma su quanto ci portiamo adosso. Isacco Singer, non a caso oltre che ingegno fertile amante di donne - se fai questo mestiere come fai a non amarle? - più volte marito e padre, come i patriarchi, di 24 figli, ognuno col suo bel ricamo.

E forse quei bambini giocavano, come ancora io ho fatto in tempo, con i rocchetti. Potevi trasformarli in carro, carretto, carrarmato - paracarri, torri, microfoni. Cantarci, volendo - magari con l'accompagnamento degli strumenti musicali che più di 100 anni fa assemblava la "Pfaff", il valzer "belle époque" dello Zigo-Zago:
"Vieni in barchetta,mia bella, a vogar,
Canteremo lieti sopra il lago
La canzone antica dello Zigo-Zago.
Tu m'hai rotto l'ago,m'hai ferito il cuore,
Mi farai morir!".
Ma il mio "Zigo-Zago" era già quello di Daniela Goggi.

E così, nato a Tradate e cresciuto nelle Marche a Porto Sant'Elpidio, terrasanta dei calzaturifici, faccio ritorno a Tradate, al "Museo Frera" per "Storie da ricucire": il filo non si è spezzato.
Il racconto iniziato da Antonio Gessi è una bella fiaba dai piedi ben piantati per terra, che parla di donne e di uomini -perché in fabbrica, alla "Martegani" di Tradate, c'erano anche loro, soprattutto loro, e lui fra questi - di uomini e donne di manica larga che hanno vestito, vestono i nostri anima&corpo di un piacere concreto.

Così ora anche l'occhio è più libero di spaziare, per esempio, dai famosi aghi di Aquisgrana, disposti come su tavolo da gioco, fino alla corte di Carlo Magno, patrono d'Europa.
E fantasia e stupore viaggiano comodi in un catalogo della "Bassano Grassi" del 1915 dove non c'è guerra ma italiani, tedeschi e americani che fanno a gara nel forgiare in acciaio piccoli gioielli democratici, riprodotti in disegni bianco&nero tanto precisi nella geometria quanto nel dar vita a metamorfosi liquide.
Navette "Titania", "Hansa", "Rhenania", vibranti, reciproche, con incavo o senza, che si trasformano in girini, torpedini e capodogli. Viti e molle, ognuna con la sua tensione, pronte a mutarsi in meduse, in piante subacquee. A pagina 52 un anello a denti con un piccolo ingranaggio dentato al centro sembra proprio una cellula.

Poi tutto torna alla "piastra fondamentale" rettangolare, al "braccio nudo" della macchina, al "mobile contienitutto" dov'è Alma, consorte di Mahler, a guidare finalmente l'orchestra.
Un valzer per ago e filo conduttore. Nel comune sogno di una seconda pelle.


IO E LUCIO FONTANA

(2011)







ALMANACCO PANNINI (Pannini Mitelli Vivaldi)

(2011)





BALLPOINT Nomadic architecture of my life




Tradate 1/31966 Il cielo è una limpida sfera: al centro, il disco della terra, piatto come un piano euclideo, come un 45 giri dello “Zecchino d’oro”. E io sono il perno di questo stereo universale, sono un piccolo bambino nato in ospedale. All’epoca del grande Augusto c’era la grotta al freddo e al gelo, ma io, grazie a dio, sono figlio del Servizio Sanitario Nazionale.

 Pogliana, frazione di Bisuschio 9/6/69 Un palloncino mi è scappato di mano, ormai è su su che lo afferra una cicogna fra le ali reggendo un cavolfiore che il prete scaglierà a due mani sulla grande zuffa polverosa di vocine e piedini che scalceranno di tutto nella rete di San Carlo, rione di Varese.   Fermo1/7/71 Scoperta dell’”Idrolitina”.   Porto Sant’Elpidio 6/7/76 Solfeggio, piccole sfere prigioniere di un pentagramma: non imparo a suonare il violino. Culi a mandolino dei primi giornali pornografici.   Induno Olona 7/7/77 Due palle: il cerchio, la sfera e il libro di Geometria per 3,14 anni di Medie, inferiori + un pallone scagliato da Tampa Scarparo forse fino all’orbita geostazionaria, sopra l’oratorio.   Varese 3/8/83 Scuole superiori: mi regalano una stilo, ma preferisco la biro. “Somnium Scipionis”: le orbite del cielo sarebbero sfere che risuonano come i piccoli globi di metallo cinese per rilassare le mani. Ma questo è latino e Cicerone finisce decapitato.   Milano 8/8/88 Alla Statale Carlo Sini mi spiega Parmenide l’anno dopo lo scudetto del Napoli: Maradona palleggia la testa di una statua greca. L’Essere è una sfera perfetta che Platone e Aristotele fanno rotolare in cielo come una palla da biliardo o una di quelle abatjour multicolori da quattro euro, tanto adorate dal mio cane.   Monreale 8/9/98 E il globo terracqueo del Pantocratore dove lo metti? Nel medioevo mica credevano la terra piatta: l’Ulisse di Dante varca le Colonne d’Ercole e fa naufragio davanti a Rio de Janeiro, al Pan di Zucchero.    Albissola Marina-Aosta 20/08/2008 Servizio “Saline di Chaux” per il sale sopra i pomi d’oro delle guardie di Ledoux. Vendo piatti di ceramica d’autore per una nuova Tavola Rotonda popolare dal mare alla  montagna sempre in volo, reale e virtuale: IO sono un’opera d’arte multimediale interattiva.

Varese 0/1/10 Sfera dopo sfera riplanerò a Varese con lo stormo di macchine in uscita dall’Autolaghi, dentro una bolla di Google Earth. Quando anche l’ultima sarà esplosa Mario Botta mi trapianterà il cuore con il “Cenotafio di Newton” di Boullée perché ti cerchi sulla terra anche dalle stelle, mia città. Fine.




PINA TRAINI Chiaroscurità '60-'70 (2012)




PINA TRAINI Solo donne - Partitura incompiuta (2011)




PINA TRAINI Solo donne - Sogno Sonno Risvegli (2011)



Opere interamente dedicate alle donne, come da sempre.
Le tele scultoree della pittrice come rivelazione di nuovi rapporti cromatici, armonici.
La posizione della donna, la sua solitudine, la sua forza e valore, ma anche la sofferenza del vivere e la ricerca di una reale emancipazione.

Metafore del suono, queste visioni femminili, dove lo spazio è preso totalmente dalla figura in un gesto immortalato per la sua semplice eleganza.




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